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L'art naturel dans le monde : un couple de parcs nationaux inconnus et célèbres

L'art naturel dans le monde : un couple de parcs nationaux inconnus et célèbres

La vue du tunnel du parc national de Yosemite. Photo reproduite avec l'aimable autorisation de Dawn Ellner.

Des taches de vert, une pincée de pastels, des textures rugueuses et lisses se dressent devant vous. "Que vois-tu?" pousse le personnage à pleines dents qui se tient derrière vous. Vous vous retournez, attendant de voir le conservateur de votre musée préféré ; Cependant, vous êtes choqué de revenir à la réalité, de retour dans vos chaussures de randonnée et votre peau rosée, alors que vous regardez tante Edith regarder à travers le Tunnel View du parc national de Yosemite.

Que vois-tu? Voyez-vous l'agitation dans ses falaises déchiquetées et la tranquillité dans les ruisseaux ? Ici à Yosemite, digérant l'un des millions de paysages que l'incroyable artiste Earth a créés bien avant que vous n'entriez dans la galerie qu'est cette planète.

Tout comme les artistes produisent un mélange d'œuvres extrêmement populaires et méconnaissables (mais qui valent toujours la peine d'être vues), cette planète fait de même en ce qui concerne ses parcs nationaux. Dans cet article, j'espère vous attirer avec les célèbres parcs nationaux, puis vous séduire avec les parcs nationaux hors des sentiers battus voisins.

Parc national de Yosemite en Californie

Le parc national de Yosemite est niché entre la rivière Tuolumne et la rivière South Fork Merced sur 747 956 acres (302 687 hectares) dans le centre de la Californie. En tant que troisième parc national le plus visité des États-Unis, ses paysages ne déçoivent pas. Certaines des scènes classiques sont Tunnel View, Mariposa Grove et El Capitan. Pendant l'été, environ 14 000 visiteurs se prélassent dans la beauté de Tunnel View, un point de vue populaire dans la vallée de Yosemite. Mariposa Grove est à une heure de route au sud de la vallée de Yosemite ; tandis que parmi les plus grands séquoias géants du parc national, vous pouvez aller au-delà du parking avec une randonnée ou une excursion à ski. À plus de 914 mètres de haut, El Capitan détient fièrement le titre de plus grand monolithe de granit sur Terre et est un point chaud pour les grimpeurs.
Si vous êtes un grimpeur, vous méritez vraiment de passer une bonne semaine - ou trois mois - à camper et à grimper autour de Yosemite. Abandonnez la norme, trouvez votre sac intérieur et rejoignez d'autres grimpeurs vivant simplement pour grimper.

Parc national de Joshua Tree. Photo reproduite avec l'aimable autorisation de Vicente Villamon.

Parc national de Joshua Tree

En parlant d'escalade, Joshua Tree se trouve à six heures au sud de Yosemite, mais n'attire pas la même attention des touristes. Des milliers de montées explosent depuis ce parc désertique. Keys View offre une vue panoramique sur les arbres de Josué, la mer de Salton et les montagnes Santa Rosa de la vallée de Coachella. Selon le site Web du parc national de Joshua Tree, une autre zone spectaculaire mais secrète est Cottonwood Springs Oasis, une source naturelle parfaite pour l'observation des oiseaux. Ce sont deux endroits que les visiteurs chériront dans leurs souvenirs. J'ai peut-être l'impression d'avoir cinq ans, mais le Skull Rock de Joshua Tree, une autre attraction naturelle du parc, m'épate ; les yeux creux de ce bloc de granit donnent vie à la pierre. Lorsque vous le voyez, prenez un moment et émerveillez-vous de l'époque et de l'altération stylistique qui ont créé ce chef-d'œuvre.

Australie

Parc national marin de la Grande barrière de corail. Photo reproduite avec l'aimable autorisation d'eutrophisation et d'hypoxie.

Parc marin national de la Grande barrière de corail

Célébré internationalement comme la plus grande collection de récifs coralliens au monde, le parc marin national de la Grande barrière de corail dans le Queensland, en Australie, attire des millions de visiteurs par an. Avec 1 800 variétés de poissons et 350 espèces de coraux de toutes nuances et tailles, ces 2 900 récifs contiennent des millions de moments à savourer. Vous pouvez explorer le tapis de corail safran, pêche et lilas qui se trouve à quelques mètres sous les vagues de la mer de Corail lors d'une excursion en bateau. Au milieu de la mer de corail, chaussez des palmes et rejoignez le monde aquatique des poissons clowns, des poissons-anges et des poissons-chirurgiens. Ne laissez pas l'agence de voyage vous oublier que ces poissons colorés vous dérangent ; il y a 125 espèces de requins dans leurs eaux.

Le Tree Top Walk du parc national Walpole-Nornalup. Photo reproduite avec l'aimable autorisation d'Amanda Slater.

Parc national Walpole-Nornalup

Au cours d'une aventure au parc national Walpole-Nornalup, vous êtes un oiseau appréciant la majesté de la canopée des arbres Tingle, à 40 mètres du sol sur un sentier en acier surélevé dans la vallée des géants. Le Red Tingle est une variété d'eucalyptus caractéristique de la région du parc national Walpole-Nornalup, et est connu pour atteindre une hauteur de 230 pieds (70 mètres). La Vallée des Géants accueille également ses visiteurs amoureux du sol avec l'Ancient Empire Walk, une passerelle surélevée entre les troncs épais et rouges de ces titans Tingle. Un bourdonnement naturel se répercute dans l'air ici, propice à la réflexion sur l'univers. Fantastiquement, ces points de vue spectaculaires ont été créés pour préserver l'écosystème délicat du sol forestier.

Utah

Parc national des Arches. Photo reproduite avec l'aimable autorisation de Chase Lindberg.

Parc national des Arches

Célébrez les formes de la nature avec Arches National Park à Moab, Utah. Les fleurs de yucca blanc laiteux et les bourgeons de persil jaune et rose contrastent dramatiquement avec le paysage désertique de roches rouges massives. Des sentiers de randonnée parsemés de genévriers parsèment le paysage de ce parc national tout en courbes.

Être un échangiste prend un tout autre sens ici au parc national des Arches, alors que les échangistes s'attachent au sommet de l'arche de Corona rose coucher de soleil et se jettent par-dessus le bord de l'arche de 43 mètres de haut, volant à travers son Ouverture de 105 pieds (32 mètres). Le youtubeur devinsupertramp montre la "plus grande balançoire au monde" en action. Si vous osez essayer, gardez à l'esprit que vous êtes responsable de votre propre sécurité, car il s'agit d'une activité dangereuse et non supervisée.

Parc national de Capitol Reef. Photo reproduite avec l'aimable autorisation de Wolfgang Staudt.

Parc national de Capitol Reef

Le parc national de Capitol Reef est la preuve d'un monoclinal géologique, ou d'un repli de la terre. Il s'étend sur près de 160 kilomètres, laissant le côté ouest près de 2 134 mètres (7 000 pieds) plus haut que les couches stratigraphiques correspondantes à l'est de la ride. Les premiers colons ont appelé le repli un récif, inspirant le nom de ce parc déséquilibré. À la fin de l'été, le parc se remplit d'un parfum appétissant de fruits mûrs provenant de la générosité des vergers de pommes, de poires, de pêches, de cerises, d'abricots, de prunes et de mûriers, mûrs pour la cueillette au moment de la récolte. Le site Web du parc national contient plusieurs panneaux de pétroglyphes conçus sur de la roche autrefois nue par les sociétés ancestrales Puebloan et Fremont.

Croatie/Slovénie

Parc national des lacs de Plitvice. Photo avec l'aimable autorisation de 29cm.

Parc national des lacs de Plitvice (Croatie)

D'abord décrit pour moi comme ayant l'essence même du «Jardin d'Eden», le parc national des lacs de Plitvice associe un magnifique spectre de couleurs de 16 lacs aquatiques et émeraude. La montagne Mala Kapela et la montagne Pljesevica protègent les cascades des lacs supérieurs et les hauts-fonds étincelants des lacs inférieurs. Laissez le ruissellement des ruisseaux, le tonnerre des cascades et l'odeur de la terre humide et de la mousse vous transporter loin du 21e siècle. Comme dans la boucle Ancient Empire du parc national Walpole-Nornalup, l'environnement sensible des lacs est protégé par une plate-forme de promenade, encourageant les visiteurs à apprécier les paysages et la faune de Plitvice. Étant le nerd de l'archéologie que je suis, la colonie préhistorique japudique sous la ville de Plitvice et les artefacts de l'âge du bronze font de ce parc un lieu encore plus unique pour moi.

Les Alpes juliennes du parc national du Triglav. Photo avec l'aimable autorisation de 29cm.

Parc national du Triglav (Slovénie)

Bénéficiant de la plus haute montagne des Alpes juliennes, le mont Triglav est la star du parc national du Triglav. Le site Web du parc national du Triglav raconte l'ascension de 1777 de Balthasar Hacquet, un alpiniste célèbre, qui est devenu la première personne à tenter de gravir le sommet en flèche. Par conséquent, les alpinistes n'ont pas cessé de visiter depuis. Pendant votre séjour, vous devriez également voir Blejski Vintgar - une vaste gorge séparée par la rivière Radovna - et descendre dans les vallées fleuries des montagnes du Triglav. Six sentiers de randonnée dévoilent la beauté du Triglav, traversant à proximité de divers points d'intérêt naturels, tels que la chute Peričnik scintillante sur le sentier Triglavaska Bistrica. Un autre sentier qui vaut le détour est le Goreljek Peat-Bog Nature Trail, un itinéraire environnemental européen rare qui attire l'attention sur la préservation de cette terre trouble de végétation morte-vivante. Le Triglav est le seul parc national de ce petit pays d'Europe du centre-sud et détient 4% des terres de la Slovénie.

Inde

Un tigre errant dans le parc national de Kanha. Photo gracieuseté de sankarshan sen.

Parc national de Kanha

Célébrons trois types d'art au parc national de Kanha - les appels de la faune, leur habitat poussiéreux et le roman inspiré par eux - "Le livre de la jungle" de Rudyard Kiplings. Imaginez entendre les sons du parc national de Kanha s'élever autour de vous lorsque vous traversez le parc - le rugissement d'un tigre suivi du bourdonnement des pieds de sa proie ou d'un éléphant qui claironne au loin. Les forêts de bambous et d'arbres de sal ainsi que les prairies du Madhya Pradesh constituent la réserve, abritant plusieurs animaux indiens indigènes. Exalté pour ses excellentes méthodes de conservation et sa réserve de tigres, Kanha agit comme un sanctuaire pour les tigres, les cerfs des marais, les éléphants d'Asie, le daim noir, les paons et bien d'autres oiseaux et mammifères indigènes. Le Bamni Dadar (Sunset Point) offre une vue magnifique sur les couchers de soleil dorés flamboyants de Kanha, à partir desquels tous les visiteurs devraient conclure au moins une journée.

Parc National de la Vallée des Fleurs. Photo reproduite avec l'aimable autorisation d'Alosh Bennett.

Parc National de la Vallée des Fleurs

Niché dans l'Himalaya de l'Uttaranchal, le parc national de la Vallée des fleurs est sans précédent en Inde. Bien que la Vallée des Fleurs soit bien connue, je dois la classer comme un parc hors des sentiers battus, car il n'y a que deux façons d'entrer dans le parc pour découvrir ses 650 variétés de fleurs : la randonnée et par une mule joliment parfumée ( voilà pour espérer). Et pour cette raison, beaucoup de gens manquent ce havre d'été de 21 621,7 acres (87,5 kilomètres carrés) de flore glorieuse, allant du doux céruléen des coquelicots bleus aux pétales fourchus rubis profonds du lys cobra et du Brahmakamal crémeux en forme d'étoile. Les chuchotements qui entourent cette vallée disent que lorsque tout est calme et qu'il n'y a plus personne en vue, les fées voltigent parmi les fleurs. Pour ressentir la magie résiduelle de ces fées, visitez la Vallée des Fleurs de mai à septembre lorsque le parc est ouvert.

J'espère vous avoir fait découvrir un nouveau parc et vous avez rappelé l'art vivant qui vous entoure.

Quels sont vos parcs nationaux célèbres ou obscurs préférés ? Veuillez partager dans les commentaires ci-dessous, ou publier une photo de votre parc préféré sur Facebook ou Twitter d'Épicure & Culture.

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Poterie Modifier

Il existe des preuves archéologiques que la céramique a été produite sur la côte caraïbe de la Colombie plus tôt que partout ailleurs dans les Amériques en dehors du bassin amazonien inférieur. Des céramiques trempées dans des fibres associées à des amas de coquillages sont apparues sur des sites tels que Puerto Hormiga, Monsú, Puerto Chacho et San Jacinto vers 3100 av. Les céramiques trempées aux fibres de Monsú ont été datées de 5940 ans au radiocarbone avant le présent. La poterie trempée à la fibre de Puerto Hormiga était "brute", formée d'un seul morceau d'argile. La poterie trempée aux fibres de San Jacinto est décrite comme "bien faite". Des céramiques enroulées trempées au sable ont également été trouvées à Puerto Hormiga. [2] [3] [4] La culture Piartal (750-1250 après JC) dans la région montagneuse à la frontière Colombie-Équateur a produit des méthodes uniques de production de poterie ainsi que des motifs inspirés de la peau d'animal ou de serpent. Les vaisseaux ont été créés pour être utilisés dans l'enterrement secondaire, ou la pratique consistant à laisser la chair se décomposer, puis à réenterrer les os. Ces récipients servaient également à contenir des reliques et des bijoux appartenant au défunt. [5]

Orfèvrerie Modifier

Les premiers exemples d'artisanat de l'or ont été attribués au peuple Tumaco de la côte du Pacifique et datent d'environ 325 avant notre ère. L'or jouera un rôle central dans l'attraction des Espagnols dans la région maintenant appelée Colombie au cours du XVIe siècle (voir : El Dorado).

L'un des objets les plus précieux de l'orfèvrerie précolombienne est le soi-disant Poporo Quimbaya, un petit objet de dévotion creux (23,5 × 11,4 cm) (utilisé pour mambéo ou rituel de mastication de la feuille de coca) en or dont l'harmonie esthétique, l'élégance simple et la symétrie mathématique sont frappantes et presque modernes. [ citation requise ]

Le Museo del Oro de Bogotá présente la plus importante collection d'orfèvrerie précolombienne des Amériques.

Pierre Modifier

Entre 200 av. jusqu'à cinq mètres de haut.

Liés à la culture de San Agustín étaient les habitants de Tierradentro (« terre intérieure », ainsi appelée en raison de son inaccessibilité) qui a créé plus de cent cinquante tombes souterraines, ou hypogées dont les murs et les plafonds étaient richement décorés de formes géométriques rappelant l'intérieur des cabanes de palmiers. Aussi dans les tombes ont été trouvés des urnes funéraires, des bols et des cruches.

La pièce votive du radeau Muisca, Muisca (Pasca, Cundinamarca), or, 600 CE - 1600 CE

Tombeau monumental, Période moyenne de San Agustín (San Agustín, Huila), 100 AEC - 700 CE

La sculpture colombienne du XVIe au XVIIIe siècle était principalement consacrée aux représentations religieuses de l'art ecclésiastique, fortement influencées par les écoles espagnoles de sculpture sacrée. Au début de la république colombienne, les artistes nationaux se sont concentrés sur la production de portraits sculpturaux d'hommes politiques et de personnalités publiques, dans un pur courant néoclassique. Au cours du 20ème siècle, la sculpture colombienne a commencé à développer un travail audacieux et innovant dans le but d'atteindre une meilleure compréhension de la sensibilité nationale.

Monument à Bachué par Luís Horacio Betancur, Medellín

Vargas Swamp Lancers Memorial est la plus grande sculpture d'Amérique latine

Botero Plaza à Medellín avec exposition permanente de plusieurs sculptures de Fernando Botero

Oiseau (Par Fernando Botero) A été détruit par une attaque terroriste en 1997, Medellín où 17 personnes sont mortes. Les restes de la sculpture sont exposés sur la place San Antonio en mémoire des victimes

Ranas bailando. (Grenouilles dansantes) 1990. Par María Fernanda Cardoso

Période précolombienne Modifier

L'art colonial colombien comprend des chefs-d'œuvre de sculpture sur bois d'autel et des statues pour les processions religieuses.

Période coloniale Modifier

La peinture de la période coloniale reflétait le pouvoir et le prestige de l'Église catholique et de l'aristocratie espagnole en Colombie ou comme on l'appelait alors Le Nouveau Royaume de Grenade (vers 1548-1717) et plus tard La Vice-royauté de la Nouvelle-Grenade (1717-1819) .

Début de la période coloniale Modifier

La peinture colombienne au début de la période coloniale (1530s-1650) était principalement de sujet ecclésiastique et basée sur des styles maniéristes, renaissance et médiévaux, avec une influence mineure de la culture indigène.

Les explorateurs espagnols ont mis le pied sur le sol colombien pour la première fois en 1499 et ont établi Santa Marta, la première ville et le premier gouvernement sur le territoire de la Colombie, en 1599. Le roi Ferdinand d'Aragon et la reine Isabelle de Castille avaient unifié l'Espagne en 1492 et conquis le bastion maure restant. dans le sud de l'Espagne (Grenade) expulsa les Juifs avec le décret de l'Alhambra et continua l'Inquisition et envoya Christophe Colomb dans sa première expédition. C'est dans ce contexte de reconquista ou la christianisation de la péninsule ibérique que le projet colonial tout aussi fortement catholique dans les Amériques pourrait être compris. À cette époque, l'Espagne et le Portugal étaient les plus grandes puissances d'Europe et les défenseurs (et exécuteurs) les plus acharnés du catholicisme.

Les ateliers de Séville ont produit bon nombre des premières peintures envoyées en Colombie. Les artistes colombiens de cette période étaient pour la plupart considérés comme des commerçants ordinaires, comme les cordonniers ou les tonneliers. Comme dans une grande partie de l'histoire de l'art dans le monde, ces artisans généralement anonymes ont produit un travail qui servait les besoins idéologiques de leurs mécènes, en l'occurrence l'Église catholique.

Les églises et les maisons de familles riches dans les principales villes de Cundinamarca et Boyacá contiennent certains des plus anciens exemples d'art colonial en Colombie, principalement sous la forme de peintures murales.

Le premier peintre de l'époque coloniale à travailler en Colombie, ou comme on l'appelait alors Nueva Granada, était le natif de Séville Alonso de Narváez (mort en 1583). Il est crédité d'avoir peint une image de la Vierge Marie (Notre-Dame du Rosaire) qui devint plus tard un objet de dévotion, connue sous le nom de Notre-Dame du Rosaire de Chiquinquirá grâce, comme le croient les catholiques, à une réparation miraculeuse du tissu de la peinture. . [6]

Période baroque Modifier

Art baroque (à partir de Rome vers 1600), y compris le baroque latino-américain (1650-1750 es: Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos), tendait vers l'émotivité, un appel au populisme, et les grands gestes et les vêtements fluides. Dans la lignée de la Contre-Réforme une génération avant, les Jésuites, un ordre formé pour contrer le protestantisme, ont été les premiers à embrasser le baroque. Les principales influences sur les artistes colombiens de cette période étaient les peintres baroques espagnols comme Francisco de Zurbarán (1580-1664), ainsi que les influences flamandes, italiennes, mais aussi de Quito et de Cuzco, à travers des gravures et diverses images originales importées pour les églises et les monastères.

Un autre natif de Séville, Baltasar de Figueroa El Viejo (1629-1667), s'installe à Bogotá au début du XVIIe siècle et y implante un atelier d'artiste. Lui et ses nombreux descendants seront prolifiques et inventeront une sorte de peinture colombienne créolisée de la peinture baroque qui combine l'emprunt de formes et de sujets à des gravures européennes (principalement de nature religieuse : saints dans divers états de mortification ou d'extase, la Vierge Marie, ou Christ) avec des motifs et décorations indigènes. Mais ce sera l'un des apprentis de la famille Figueroa, Gregorio Vázquez de Arce y Ceballos, qui se démarquera parmi tous les peintres de l'époque coloniale.

Gregorio Vasquez de Arce et Ceballos (1638-1711) est considéré comme le plus grand maître de la période coloniale. De son vivant, il a produit environ cinq cents peintures, pour la plupart dévotionnelles, avec une technique qui juxtapose des figures tirées de peintures de maîtres européens en utilisant des matériaux innovants trouvés dans le Nouveau Monde.Ses représentations de la Trinité comme une figure unique avec quatre yeux et trois visages, une innovation unique en Amérique latine, seraient plus tard condamnées comme hérétiques en partie parce qu'elles ressemblaient à des divinités hindoues.

Le Archanges sopo est une série de douze peintures, chacune représentant un archange (trois canoniques, plus huit apocryphes et un gardien) englouti dans un fond ténébreux (nuageux). Leurs personnages sont grandeur nature, vêtus de riches vêtements, pleins de drapés et de plis, et sont destinés à être « lus » à travers leurs diverses iconographies. Comme de nombreuses représentations d'anges, ces personnages ostensiblement masculins sont représentés avec des visages doux et féminins et des hanches rondes. L'origine de cette série est inconnue, tout comme l'artiste. Il est considéré comme l'une des énigmes persistantes de l'art colombien.

San José et el Niño par Gregorio Vasquez de Arce y Ceballos, huile sur bois, ca. 1670


Poterie Modifier

Il existe des preuves archéologiques que la céramique a été produite sur la côte caraïbe de la Colombie plus tôt que partout ailleurs dans les Amériques en dehors du bassin amazonien inférieur. Des céramiques trempées dans des fibres associées à des amas de coquillages sont apparues sur des sites tels que Puerto Hormiga, Monsú, Puerto Chacho et San Jacinto vers 3100 av. Les céramiques trempées aux fibres de Monsú ont été datées de 5940 ans au radiocarbone avant le présent. La poterie trempée à la fibre de Puerto Hormiga était "brute", formée d'un seul morceau d'argile. La poterie trempée aux fibres de San Jacinto est décrite comme "bien faite". Des céramiques enroulées trempées au sable ont également été trouvées à Puerto Hormiga. [2] [3] [4] La culture Piartal (750-1250 après JC) dans la région montagneuse à la frontière Colombie-Équateur a produit des méthodes uniques de production de poterie ainsi que des motifs inspirés de la peau d'animal ou de serpent. Les vaisseaux ont été créés pour être utilisés dans l'enterrement secondaire, ou la pratique consistant à laisser la chair se décomposer, puis à réenterrer les os. Ces récipients servaient également à contenir des reliques et des bijoux appartenant au défunt. [5]

Orfèvrerie Modifier

Les premiers exemples d'artisanat de l'or ont été attribués au peuple Tumaco de la côte du Pacifique et datent d'environ 325 avant notre ère. L'or jouera un rôle central dans l'attraction des Espagnols dans la région maintenant appelée Colombie au cours du XVIe siècle (voir : El Dorado).

L'un des objets les plus précieux de l'orfèvrerie précolombienne est le soi-disant Poporo Quimbaya, un petit objet de dévotion creux (23,5 × 11,4 cm) (utilisé pour mambéo ou rituel de mastication de la feuille de coca) en or dont l'harmonie esthétique, l'élégance simple et la symétrie mathématique sont frappantes et presque modernes. [ citation requise ]

Le Museo del Oro de Bogotá présente la plus importante collection d'orfèvrerie précolombienne des Amériques.

Pierre Modifier

Entre 200 av. jusqu'à cinq mètres de haut.

Liés à la culture de San Agustín étaient les habitants de Tierradentro (« terre intérieure », ainsi appelée en raison de son inaccessibilité) qui a créé plus de cent cinquante tombes souterraines, ou hypogées dont les murs et les plafonds étaient richement décorés de formes géométriques rappelant l'intérieur des cabanes de palmiers. Aussi dans les tombes ont été trouvés des urnes funéraires, des bols et des cruches.

La pièce votive du radeau Muisca, Muisca (Pasca, Cundinamarca), or, 600 CE - 1600 CE

Tombeau monumental, Période moyenne de San Agustín (San Agustín, Huila), 100 AEC - 700 CE

La sculpture colombienne du XVIe au XVIIIe siècle était principalement consacrée aux représentations religieuses de l'art ecclésiastique, fortement influencées par les écoles espagnoles de sculpture sacrée. Au début de la république colombienne, les artistes nationaux se sont concentrés sur la production de portraits sculpturaux d'hommes politiques et de personnalités publiques, dans un pur courant néoclassique. Au cours du 20ème siècle, la sculpture colombienne a commencé à développer un travail audacieux et innovant dans le but d'atteindre une meilleure compréhension de la sensibilité nationale.

Monument à Bachué par Luís Horacio Betancur, Medellín

Vargas Swamp Lancers Memorial est la plus grande sculpture d'Amérique latine

Botero Plaza à Medellín avec exposition permanente de plusieurs sculptures de Fernando Botero

Oiseau (Par Fernando Botero) A été détruit par une attaque terroriste en 1997, Medellín où 17 personnes sont mortes. Les restes de la sculpture sont exposés sur la place San Antonio en mémoire des victimes

Ranas bailando. (Grenouilles dansantes) 1990. Par María Fernanda Cardoso

Période précolombienne Modifier

L'art colonial colombien comprend des chefs-d'œuvre de sculpture sur bois d'autel et des statues pour les processions religieuses.

Période coloniale Modifier

La peinture de la période coloniale reflétait le pouvoir et le prestige de l'Église catholique et de l'aristocratie espagnole en Colombie ou comme on l'appelait alors Le Nouveau Royaume de Grenade (vers 1548-1717) et plus tard La Vice-royauté de la Nouvelle-Grenade (1717-1819) .

Début de la période coloniale Modifier

La peinture colombienne au début de la période coloniale (1530s-1650) était principalement de sujet ecclésiastique et basée sur des styles maniéristes, renaissance et médiévaux, avec une influence mineure de la culture indigène.

Les explorateurs espagnols ont mis le pied sur le sol colombien pour la première fois en 1499 et ont établi Santa Marta, la première ville et le premier gouvernement sur le territoire de la Colombie, en 1599. Le roi Ferdinand d'Aragon et la reine Isabelle de Castille avaient unifié l'Espagne en 1492 et conquis le bastion maure restant. dans le sud de l'Espagne (Grenade) expulsa les Juifs avec le décret de l'Alhambra et continua l'Inquisition et envoya Christophe Colomb dans sa première expédition. C'est dans ce contexte de reconquista ou la christianisation de la péninsule ibérique que le projet colonial tout aussi fortement catholique dans les Amériques pourrait être compris. À cette époque, l'Espagne et le Portugal étaient les plus grandes puissances d'Europe et les défenseurs (et exécuteurs) les plus acharnés du catholicisme.

Les ateliers de Séville ont produit bon nombre des premières peintures envoyées en Colombie. Les artistes colombiens de cette période étaient pour la plupart considérés comme des commerçants ordinaires, comme les cordonniers ou les tonneliers. Comme dans une grande partie de l'histoire de l'art dans le monde, ces artisans généralement anonymes ont produit un travail qui servait les besoins idéologiques de leurs mécènes, en l'occurrence l'Église catholique.

Les églises et les maisons de familles riches dans les principales villes de Cundinamarca et Boyacá contiennent certains des plus anciens exemples d'art colonial en Colombie, principalement sous la forme de peintures murales.

Le premier peintre de l'époque coloniale à travailler en Colombie, ou comme on l'appelait alors Nueva Granada, était le natif de Séville Alonso de Narváez (mort en 1583). Il est crédité d'avoir peint une image de la Vierge Marie (Notre-Dame du Rosaire) qui devint plus tard un objet de dévotion, connue sous le nom de Notre-Dame du Rosaire de Chiquinquirá grâce, comme le croient les catholiques, à une réparation miraculeuse du tissu de la peinture. . [6]

Période baroque Modifier

Art baroque (à partir de Rome vers 1600), y compris le baroque latino-américain (1650-1750 es: Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos), tendait vers l'émotivité, un appel au populisme, et les grands gestes et les vêtements fluides. Dans la lignée de la Contre-Réforme une génération avant, les Jésuites, un ordre formé pour contrer le protestantisme, ont été les premiers à embrasser le baroque. Les principales influences sur les artistes colombiens de cette période étaient les peintres baroques espagnols comme Francisco de Zurbarán (1580-1664), ainsi que les influences flamandes, italiennes, mais aussi de Quito et de Cuzco, à travers des gravures et diverses images originales importées pour les églises et les monastères.

Un autre natif de Séville, Baltasar de Figueroa El Viejo (1629-1667), s'installe à Bogotá au début du XVIIe siècle et y implante un atelier d'artiste. Lui et ses nombreux descendants seront prolifiques et inventeront une sorte de peinture colombienne créolisée de la peinture baroque qui combine l'emprunt de formes et de sujets à des gravures européennes (principalement de nature religieuse : saints dans divers états de mortification ou d'extase, la Vierge Marie, ou Christ) avec des motifs et décorations indigènes. Mais ce sera l'un des apprentis de la famille Figueroa, Gregorio Vázquez de Arce y Ceballos, qui se démarquera parmi tous les peintres de l'époque coloniale.

Gregorio Vasquez de Arce et Ceballos (1638-1711) est considéré comme le plus grand maître de la période coloniale. De son vivant, il a produit environ cinq cents peintures, pour la plupart dévotionnelles, avec une technique qui juxtapose des figures tirées de peintures de maîtres européens en utilisant des matériaux innovants trouvés dans le Nouveau Monde. Ses représentations de la Trinité comme une figure unique avec quatre yeux et trois visages, une innovation unique en Amérique latine, seraient plus tard condamnées comme hérétiques en partie parce qu'elles ressemblaient à des divinités hindoues.

Le Archanges Sopo est une série de douze peintures, chacune représentant un archange (trois canoniques, plus huit apocryphes et un gardien) englouti dans un fond ténébreux (nuageux). Leurs personnages sont grandeur nature, vêtus de riches vêtements, pleins de drapés et de plis, et sont destinés à être « lus » à travers leurs diverses iconographies. Comme de nombreuses représentations d'anges, ces personnages ostensiblement masculins sont représentés avec des visages doux et féminins et des hanches rondes. L'origine de cette série est inconnue, tout comme l'artiste. Il est considéré comme l'une des énigmes persistantes de l'art colombien.

San José et el Niño par Gregorio Vasquez de Arce y Ceballos, huile sur bois, ca. 1670


Poterie Modifier

Il existe des preuves archéologiques que la céramique a été produite sur la côte caraïbe de la Colombie plus tôt que partout ailleurs dans les Amériques en dehors du bassin amazonien inférieur. Des céramiques trempées dans des fibres associées à des amas de coquillages sont apparues sur des sites tels que Puerto Hormiga, Monsú, Puerto Chacho et San Jacinto vers 3100 av. Les céramiques trempées aux fibres de Monsú ont été datées de 5940 ans au radiocarbone avant le présent. La poterie trempée à la fibre de Puerto Hormiga était "brute", formée d'un seul morceau d'argile. La poterie trempée aux fibres de San Jacinto est décrite comme "bien faite". Des céramiques enroulées trempées au sable ont également été trouvées à Puerto Hormiga. [2] [3] [4] La culture Piartal (750-1250 après JC) dans la région montagneuse à la frontière Colombie-Équateur a produit des méthodes uniques de production de poterie ainsi que des motifs inspirés de la peau d'animal ou de serpent. Les vaisseaux ont été créés pour être utilisés dans l'enterrement secondaire, ou la pratique consistant à laisser la chair se décomposer, puis à réenterrer les os. Ces récipients servaient également à contenir des reliques et des bijoux appartenant au défunt. [5]

Orfèvrerie Modifier

Les premiers exemples d'artisanat de l'or ont été attribués au peuple Tumaco de la côte du Pacifique et datent d'environ 325 avant notre ère. L'or jouera un rôle central dans l'attraction des Espagnols dans la région maintenant appelée Colombie au cours du XVIe siècle (voir : El Dorado).

L'un des objets les plus précieux de l'orfèvrerie précolombienne est le soi-disant Poporo Quimbaya, un petit objet de dévotion creux (23,5 × 11,4 cm) (utilisé pour mambéo ou rituel de mastication de la feuille de coca) en or dont l'harmonie esthétique, l'élégance simple et la symétrie mathématique sont frappantes et presque modernes. [ citation requise ]

Le Museo del Oro de Bogotá présente la plus importante collection d'orfèvrerie précolombienne des Amériques.

Pierre Modifier

Entre 200 av. jusqu'à cinq mètres de haut.

Liés à la culture de San Agustín étaient les habitants de Tierradentro (« terre intérieure », ainsi appelée en raison de son inaccessibilité) qui a créé plus de cent cinquante tombes souterraines, ou hypogées dont les murs et les plafonds étaient richement décorés de formes géométriques rappelant l'intérieur des cabanes de palmiers. Aussi dans les tombes ont été trouvés des urnes funéraires, des bols et des cruches.

La pièce votive du radeau Muisca, Muisca (Pasca, Cundinamarca), or, 600 CE - 1600 CE

Tombeau monumental, Période moyenne de San Agustín (San Agustín, Huila), 100 AEC - 700 CE

La sculpture colombienne du XVIe au XVIIIe siècle était principalement consacrée aux représentations religieuses de l'art ecclésiastique, fortement influencées par les écoles espagnoles de sculpture sacrée. Au début de la république colombienne, les artistes nationaux se sont concentrés sur la production de portraits sculpturaux d'hommes politiques et de personnalités publiques, dans un pur courant néoclassique. Au cours du 20ème siècle, la sculpture colombienne a commencé à développer un travail audacieux et innovant dans le but d'atteindre une meilleure compréhension de la sensibilité nationale.

Monument à Bachué par Luís Horacio Betancur, Medellín

Vargas Swamp Lancers Memorial est la plus grande sculpture d'Amérique latine

Botero Plaza à Medellín avec exposition permanente de plusieurs sculptures de Fernando Botero

Oiseau (Par Fernando Botero) A été détruit par une attaque terroriste en 1997, Medellín où 17 personnes sont mortes. Les restes de la sculpture sont exposés sur la place San Antonio en mémoire des victimes

Ranas bailando. (Grenouilles dansantes) 1990. Par María Fernanda Cardoso

Période précolombienne Modifier

L'art colonial colombien comprend des chefs-d'œuvre de sculpture sur bois d'autel et des statues pour les processions religieuses.

Période coloniale Modifier

La peinture de la période coloniale reflétait le pouvoir et le prestige de l'Église catholique et de l'aristocratie espagnole en Colombie ou comme on l'appelait alors Le Nouveau Royaume de Grenade (vers 1548-1717) et plus tard La Vice-royauté de la Nouvelle-Grenade (1717-1819) .

Début de la période coloniale Modifier

La peinture colombienne au début de la période coloniale (1530s-1650) était principalement de sujet ecclésiastique et basée sur des styles maniéristes, renaissance et médiévaux, avec une influence mineure de la culture indigène.

Les explorateurs espagnols ont mis le pied sur le sol colombien pour la première fois en 1499 et ont établi Santa Marta, la première ville et le premier gouvernement sur le territoire de la Colombie, en 1599. Le roi Ferdinand d'Aragon et la reine Isabelle de Castille avaient unifié l'Espagne en 1492 et conquis le bastion maure restant. dans le sud de l'Espagne (Grenade) expulsa les Juifs avec le décret de l'Alhambra et continua l'Inquisition et envoya Christophe Colomb dans sa première expédition. C'est dans ce contexte de reconquista ou la christianisation de la péninsule ibérique que le projet colonial tout aussi fortement catholique dans les Amériques pourrait être compris. À cette époque, l'Espagne et le Portugal étaient les plus grandes puissances d'Europe et les défenseurs (et exécuteurs) les plus acharnés du catholicisme.

Les ateliers de Séville ont produit bon nombre des premières peintures envoyées en Colombie. Les artistes colombiens de cette période étaient pour la plupart considérés comme des commerçants ordinaires, comme les cordonniers ou les tonneliers. Comme dans une grande partie de l'histoire de l'art dans le monde, ces artisans généralement anonymes ont produit un travail qui servait les besoins idéologiques de leurs mécènes, en l'occurrence l'Église catholique.

Les églises et les maisons de familles riches dans les principales villes de Cundinamarca et Boyacá contiennent certains des plus anciens exemples d'art colonial en Colombie, principalement sous la forme de peintures murales.

Le premier peintre de l'époque coloniale à travailler en Colombie, ou comme on l'appelait alors Nueva Granada, était le natif de Séville Alonso de Narváez (mort en 1583). Il est crédité d'avoir peint une image de la Vierge Marie (Notre-Dame du Rosaire) qui devint plus tard un objet de dévotion, connue sous le nom de Notre-Dame du Rosaire de Chiquinquirá grâce, comme le croient les catholiques, à une réparation miraculeuse du tissu de la peinture. . [6]

Période baroque Modifier

Art baroque (à partir de Rome vers 1600), y compris le baroque latino-américain (1650-1750 es: Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos), tendait vers l'émotivité, un appel au populisme, et les grands gestes et les vêtements fluides. Dans la lignée de la Contre-Réforme une génération avant, les Jésuites, un ordre formé pour contrer le protestantisme, ont été les premiers à embrasser le baroque. Les principales influences sur les artistes colombiens de cette période étaient les peintres baroques espagnols comme Francisco de Zurbarán (1580-1664), ainsi que les influences flamandes, italiennes, mais aussi de Quito et de Cuzco, à travers des gravures et diverses images originales importées pour les églises et les monastères.

Un autre natif de Séville, Baltasar de Figueroa El Viejo (1629-1667), s'installe à Bogotá au début du XVIIe siècle et y implante un atelier d'artiste. Lui et ses nombreux descendants seront prolifiques et inventeront une sorte de peinture colombienne créolisée de la peinture baroque qui combine l'emprunt de formes et de sujets à des gravures européennes (principalement de nature religieuse : saints dans divers états de mortification ou d'extase, la Vierge Marie, ou Christ) avec des motifs et décorations indigènes. Mais ce sera l'un des apprentis de la famille Figueroa, Gregorio Vázquez de Arce y Ceballos, qui se démarquera parmi tous les peintres de l'époque coloniale.

Gregorio Vasquez de Arce et Ceballos (1638-1711) est considéré comme le plus grand maître de la période coloniale. De son vivant, il a produit environ cinq cents peintures, pour la plupart dévotionnelles, avec une technique qui juxtapose des figures tirées de peintures de maîtres européens en utilisant des matériaux innovants trouvés dans le Nouveau Monde. Ses représentations de la Trinité comme une figure unique avec quatre yeux et trois visages, une innovation unique en Amérique latine, seraient plus tard condamnées comme hérétiques en partie parce qu'elles ressemblaient à des divinités hindoues.

Le Archanges sopo est une série de douze peintures, chacune représentant un archange (trois canoniques, plus huit apocryphes et un gardien) englouti dans un fond ténébreux (nuageux). Leurs personnages sont grandeur nature, vêtus de riches vêtements, pleins de drapés et de plis, et sont destinés à être « lus » à travers leurs diverses iconographies. Comme de nombreuses représentations d'anges, ces personnages ostensiblement masculins sont représentés avec des visages doux et féminins et des hanches rondes. L'origine de cette série est inconnue, tout comme l'artiste. Il est considéré comme l'une des énigmes persistantes de l'art colombien.

San José et el Niño par Gregorio Vasquez de Arce y Ceballos, huile sur bois, ca. 1670


Poterie Modifier

Il existe des preuves archéologiques que la céramique a été produite sur la côte caraïbe de la Colombie plus tôt que partout ailleurs dans les Amériques en dehors du bassin amazonien inférieur. Des céramiques trempées dans des fibres associées à des amas de coquillages sont apparues sur des sites tels que Puerto Hormiga, Monsú, Puerto Chacho et San Jacinto vers 3100 av. Les céramiques trempées aux fibres de Monsú ont été datées de 5940 ans au radiocarbone avant le présent. La poterie trempée à la fibre de Puerto Hormiga était "brute", formée d'un seul morceau d'argile. La poterie trempée aux fibres de San Jacinto est décrite comme "bien faite".Des céramiques enroulées trempées au sable ont également été trouvées à Puerto Hormiga. [2] [3] [4] La culture Piartal (750-1250 après JC) dans la région montagneuse à la frontière Colombie-Équateur a produit des méthodes uniques de production de poterie ainsi que des motifs inspirés de la peau d'animal ou de serpent. Les vaisseaux ont été créés pour être utilisés dans l'enterrement secondaire, ou la pratique consistant à laisser la chair se décomposer, puis à réenterrer les os. Ces récipients servaient également à contenir des reliques et des bijoux appartenant au défunt. [5]

Orfèvrerie Modifier

Les premiers exemples d'artisanat de l'or ont été attribués au peuple Tumaco de la côte du Pacifique et datent d'environ 325 avant notre ère. L'or jouera un rôle central dans l'attraction des Espagnols dans la région maintenant appelée Colombie au cours du XVIe siècle (voir : El Dorado).

L'un des objets les plus précieux de l'orfèvrerie précolombienne est le soi-disant Poporo Quimbaya, un petit objet de dévotion creux (23,5 × 11,4 cm) (utilisé pour mambéo ou rituel de mastication de la feuille de coca) en or dont l'harmonie esthétique, l'élégance simple et la symétrie mathématique sont frappantes et presque modernes. [ citation requise ]

Le Museo del Oro de Bogotá présente la plus importante collection d'orfèvrerie précolombienne des Amériques.

Pierre Modifier

Entre 200 av. jusqu'à cinq mètres de haut.

Liés à la culture de San Agustín étaient les habitants de Tierradentro (« terre intérieure », ainsi appelée en raison de son inaccessibilité) qui a créé plus de cent cinquante tombes souterraines, ou hypogées dont les murs et les plafonds étaient richement décorés de formes géométriques rappelant l'intérieur des cabanes de palmiers. Aussi dans les tombes ont été trouvés des urnes funéraires, des bols et des cruches.

La pièce votive du radeau Muisca, Muisca (Pasca, Cundinamarca), or, 600 CE - 1600 CE

Tombeau monumental, Période moyenne de San Agustín (San Agustín, Huila), 100 AEC - 700 CE

La sculpture colombienne du XVIe au XVIIIe siècle était principalement consacrée aux représentations religieuses de l'art ecclésiastique, fortement influencées par les écoles espagnoles de sculpture sacrée. Au début de la république colombienne, les artistes nationaux se sont concentrés sur la production de portraits sculpturaux d'hommes politiques et de personnalités publiques, dans un pur courant néoclassique. Au cours du 20ème siècle, la sculpture colombienne a commencé à développer un travail audacieux et innovant dans le but d'atteindre une meilleure compréhension de la sensibilité nationale.

Monument à Bachué par Luís Horacio Betancur, Medellín

Vargas Swamp Lancers Memorial est la plus grande sculpture d'Amérique latine

Botero Plaza à Medellín avec exposition permanente de plusieurs sculptures de Fernando Botero

Oiseau (Par Fernando Botero) A été détruit par une attaque terroriste en 1997, Medellín où 17 personnes sont mortes. Les restes de la sculpture sont exposés sur la place San Antonio en mémoire des victimes

Ranas bailando. (Grenouilles dansantes) 1990. Par María Fernanda Cardoso

Période précolombienne Modifier

L'art colonial colombien comprend des chefs-d'œuvre de sculpture sur bois d'autel et des statues pour les processions religieuses.

Période coloniale Modifier

La peinture de la période coloniale reflétait le pouvoir et le prestige de l'Église catholique et de l'aristocratie espagnole en Colombie ou comme on l'appelait alors Le Nouveau Royaume de Grenade (vers 1548-1717) et plus tard La Vice-royauté de la Nouvelle-Grenade (1717-1819) .

Début de la période coloniale Modifier

La peinture colombienne au début de la période coloniale (1530s-1650) était principalement de sujet ecclésiastique et basée sur des styles maniéristes, renaissance et médiévaux, avec une influence mineure de la culture indigène.

Les explorateurs espagnols ont mis le pied sur le sol colombien pour la première fois en 1499 et ont établi Santa Marta, la première ville et le premier gouvernement sur le territoire de la Colombie, en 1599. Le roi Ferdinand d'Aragon et la reine Isabelle de Castille avaient unifié l'Espagne en 1492 et conquis le bastion maure restant. dans le sud de l'Espagne (Grenade) expulsa les Juifs avec le décret de l'Alhambra et continua l'Inquisition et envoya Christophe Colomb dans sa première expédition. C'est dans ce contexte de reconquista ou la christianisation de la péninsule ibérique que le projet colonial tout aussi fortement catholique dans les Amériques pourrait être compris. À cette époque, l'Espagne et le Portugal étaient les plus grandes puissances d'Europe et les défenseurs (et exécuteurs) les plus acharnés du catholicisme.

Les ateliers de Séville ont produit bon nombre des premières peintures envoyées en Colombie. Les artistes colombiens de cette période étaient pour la plupart considérés comme des commerçants ordinaires, comme les cordonniers ou les tonneliers. Comme dans une grande partie de l'histoire de l'art dans le monde, ces artisans généralement anonymes ont produit un travail qui servait les besoins idéologiques de leurs mécènes, en l'occurrence l'Église catholique.

Les églises et les maisons de familles riches dans les principales villes de Cundinamarca et Boyacá contiennent certains des plus anciens exemples d'art colonial en Colombie, principalement sous la forme de peintures murales.

Le premier peintre de l'époque coloniale à travailler en Colombie, ou comme on l'appelait alors Nueva Granada, était le natif de Séville Alonso de Narváez (mort en 1583). Il est crédité d'avoir peint une image de la Vierge Marie (Notre-Dame du Rosaire) qui devint plus tard un objet de dévotion, connue sous le nom de Notre-Dame du Rosaire de Chiquinquirá grâce, comme le croient les catholiques, à une réparation miraculeuse du tissu de la peinture. . [6]

Période baroque Modifier

Art baroque (à partir de Rome vers 1600), y compris le baroque latino-américain (1650-1750 es: Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos), tendait vers l'émotivité, un appel au populisme, et les grands gestes et les vêtements fluides. Dans la lignée de la Contre-Réforme une génération avant, les Jésuites, un ordre formé pour contrer le protestantisme, ont été les premiers à embrasser le baroque. Les principales influences sur les artistes colombiens de cette période étaient les peintres baroques espagnols comme Francisco de Zurbarán (1580-1664), ainsi que les influences flamandes, italiennes, mais aussi de Quito et de Cuzco, à travers des gravures et diverses images originales importées pour les églises et les monastères.

Un autre natif de Séville, Baltasar de Figueroa El Viejo (1629-1667), s'installe à Bogotá au début du XVIIe siècle et y implante un atelier d'artiste. Lui et ses nombreux descendants seront prolifiques et inventeront une sorte de peinture colombienne créolisée de la peinture baroque qui combine l'emprunt de formes et de sujets à des gravures européennes (principalement de nature religieuse : saints dans divers états de mortification ou d'extase, la Vierge Marie, ou Christ) avec des motifs et décorations indigènes. Mais ce sera l'un des apprentis de la famille Figueroa, Gregorio Vázquez de Arce y Ceballos, qui se démarquera parmi tous les peintres de l'époque coloniale.

Gregorio Vasquez de Arce et Ceballos (1638-1711) est considéré comme le plus grand maître de la période coloniale. De son vivant, il a produit environ cinq cents peintures, pour la plupart dévotionnelles, avec une technique qui juxtapose des figures tirées de peintures de maîtres européens en utilisant des matériaux innovants trouvés dans le Nouveau Monde. Ses représentations de la Trinité comme une figure unique avec quatre yeux et trois visages, une innovation unique en Amérique latine, seraient plus tard condamnées comme hérétiques en partie parce qu'elles ressemblaient à des divinités hindoues.

Le Archanges sopo est une série de douze peintures, chacune représentant un archange (trois canoniques, plus huit apocryphes et un gardien) englouti dans un fond ténébreux (nuageux). Leurs personnages sont grandeur nature, vêtus de riches vêtements, pleins de drapés et de plis, et sont destinés à être « lus » à travers leurs diverses iconographies. Comme de nombreuses représentations d'anges, ces personnages ostensiblement masculins sont représentés avec des visages doux et féminins et des hanches rondes. L'origine de cette série est inconnue, tout comme l'artiste. Il est considéré comme l'une des énigmes persistantes de l'art colombien.

San José et el Niño par Gregorio Vasquez de Arce y Ceballos, huile sur bois, ca. 1670


Poterie Modifier

Il existe des preuves archéologiques que la céramique a été produite sur la côte caraïbe de la Colombie plus tôt que partout ailleurs dans les Amériques en dehors du bassin amazonien inférieur. Des céramiques trempées dans des fibres associées à des amas de coquillages sont apparues sur des sites tels que Puerto Hormiga, Monsú, Puerto Chacho et San Jacinto vers 3100 av. Les céramiques trempées aux fibres de Monsú ont été datées de 5940 ans au radiocarbone avant le présent. La poterie trempée à la fibre de Puerto Hormiga était "brute", formée d'un seul morceau d'argile. La poterie trempée aux fibres de San Jacinto est décrite comme "bien faite". Des céramiques enroulées trempées au sable ont également été trouvées à Puerto Hormiga. [2] [3] [4] La culture Piartal (750-1250 après JC) dans la région montagneuse à la frontière Colombie-Équateur a produit des méthodes uniques de production de poterie ainsi que des motifs inspirés de la peau d'animal ou de serpent. Les vaisseaux ont été créés pour être utilisés dans l'enterrement secondaire, ou la pratique consistant à laisser la chair se décomposer, puis à réenterrer les os. Ces récipients servaient également à contenir des reliques et des bijoux appartenant au défunt. [5]

Orfèvrerie Modifier

Les premiers exemples d'artisanat de l'or ont été attribués au peuple Tumaco de la côte du Pacifique et datent d'environ 325 avant notre ère. L'or jouera un rôle central dans l'attraction des Espagnols dans la région maintenant appelée Colombie au cours du XVIe siècle (voir : El Dorado).

L'un des objets les plus précieux de l'orfèvrerie précolombienne est le soi-disant Poporo Quimbaya, un petit objet de dévotion creux (23,5 × 11,4 cm) (utilisé pour mambéo ou rituel de mastication de la feuille de coca) en or dont l'harmonie esthétique, l'élégance simple et la symétrie mathématique sont frappantes et presque modernes. [ citation requise ]

Le Museo del Oro de Bogotá présente la plus importante collection d'orfèvrerie précolombienne des Amériques.

Pierre Modifier

Entre 200 av. jusqu'à cinq mètres de haut.

Liés à la culture de San Agustín étaient les habitants de Tierradentro (« terre intérieure », ainsi appelée en raison de son inaccessibilité) qui a créé plus de cent cinquante tombes souterraines, ou hypogées dont les murs et les plafonds étaient richement décorés de formes géométriques rappelant l'intérieur des cabanes de palmiers. Aussi dans les tombes ont été trouvés des urnes funéraires, des bols et des cruches.

La pièce votive du radeau Muisca, Muisca (Pasca, Cundinamarca), or, 600 CE - 1600 CE

Tombeau monumental, Période moyenne de San Agustín (San Agustín, Huila), 100 AEC - 700 CE

La sculpture colombienne du XVIe au XVIIIe siècle était principalement consacrée aux représentations religieuses de l'art ecclésiastique, fortement influencées par les écoles espagnoles de sculpture sacrée. Au début de la république colombienne, les artistes nationaux se sont concentrés sur la production de portraits sculpturaux d'hommes politiques et de personnalités publiques, dans un pur courant néoclassique. Au cours du 20ème siècle, la sculpture colombienne a commencé à développer un travail audacieux et innovant dans le but d'atteindre une meilleure compréhension de la sensibilité nationale.

Monument à Bachué par Luís Horacio Betancur, Medellín

Vargas Swamp Lancers Memorial est la plus grande sculpture d'Amérique latine

Botero Plaza à Medellín avec exposition permanente de plusieurs sculptures de Fernando Botero

Oiseau (Par Fernando Botero) A été détruit par une attaque terroriste en 1997, Medellín où 17 personnes sont mortes. Les restes de la sculpture sont exposés sur la place San Antonio en mémoire des victimes

Ranas bailando. (Grenouilles dansantes) 1990. Par María Fernanda Cardoso

Période précolombienne Modifier

L'art colonial colombien comprend des chefs-d'œuvre de sculpture sur bois d'autel et des statues pour les processions religieuses.

Période coloniale Modifier

La peinture de la période coloniale reflétait le pouvoir et le prestige de l'Église catholique et de l'aristocratie espagnole en Colombie ou comme on l'appelait alors Le Nouveau Royaume de Grenade (vers 1548-1717) et plus tard La Vice-royauté de la Nouvelle-Grenade (1717-1819) .

Début de la période coloniale Modifier

La peinture colombienne au début de la période coloniale (1530s-1650) était principalement de sujet ecclésiastique et basée sur des styles maniéristes, renaissance et médiévaux, avec une influence mineure de la culture indigène.

Les explorateurs espagnols ont mis le pied sur le sol colombien pour la première fois en 1499 et ont établi Santa Marta, la première ville et le premier gouvernement sur le territoire de la Colombie, en 1599. Le roi Ferdinand d'Aragon et la reine Isabelle de Castille avaient unifié l'Espagne en 1492 et conquis le bastion maure restant. dans le sud de l'Espagne (Grenade) expulsa les Juifs avec le décret de l'Alhambra et continua l'Inquisition et envoya Christophe Colomb dans sa première expédition. C'est dans ce contexte de reconquista ou la christianisation de la péninsule ibérique que le projet colonial tout aussi fortement catholique dans les Amériques pourrait être compris. À cette époque, l'Espagne et le Portugal étaient les plus grandes puissances d'Europe et les défenseurs (et exécuteurs) les plus acharnés du catholicisme.

Les ateliers de Séville ont produit bon nombre des premières peintures envoyées en Colombie. Les artistes colombiens de cette période étaient pour la plupart considérés comme des commerçants ordinaires, comme les cordonniers ou les tonneliers. Comme dans une grande partie de l'histoire de l'art dans le monde, ces artisans généralement anonymes ont produit un travail qui servait les besoins idéologiques de leurs mécènes, en l'occurrence l'Église catholique.

Les églises et les maisons de familles riches dans les principales villes de Cundinamarca et Boyacá contiennent certains des plus anciens exemples d'art colonial en Colombie, principalement sous la forme de peintures murales.

Le premier peintre de l'époque coloniale à travailler en Colombie, ou comme on l'appelait alors Nueva Granada, était le natif de Séville Alonso de Narváez (mort en 1583). Il est crédité d'avoir peint une image de la Vierge Marie (Notre-Dame du Rosaire) qui devint plus tard un objet de dévotion, connue sous le nom de Notre-Dame du Rosaire de Chiquinquirá grâce, comme le croient les catholiques, à une réparation miraculeuse du tissu de la peinture. . [6]

Période baroque Modifier

Art baroque (à partir de Rome vers 1600), y compris le baroque latino-américain (1650-1750 es: Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos), tendait vers l'émotivité, un appel au populisme, et les grands gestes et les vêtements fluides. Dans la lignée de la Contre-Réforme une génération avant, les Jésuites, un ordre formé pour contrer le protestantisme, ont été les premiers à embrasser le baroque. Les principales influences sur les artistes colombiens de cette période étaient les peintres baroques espagnols comme Francisco de Zurbarán (1580-1664), ainsi que les influences flamandes, italiennes, mais aussi de Quito et de Cuzco, à travers des gravures et diverses images originales importées pour les églises et les monastères.

Un autre natif de Séville, Baltasar de Figueroa El Viejo (1629-1667), s'installe à Bogotá au début du XVIIe siècle et y implante un atelier d'artiste. Lui et ses nombreux descendants seront prolifiques et inventeront une sorte de peinture colombienne créolisée de la peinture baroque qui combine l'emprunt de formes et de sujets à des gravures européennes (principalement de nature religieuse : saints dans divers états de mortification ou d'extase, la Vierge Marie, ou Christ) avec des motifs et décorations indigènes. Mais ce sera l'un des apprentis de la famille Figueroa, Gregorio Vázquez de Arce y Ceballos, qui se démarquera parmi tous les peintres de l'époque coloniale.

Gregorio Vasquez de Arce et Ceballos (1638-1711) est considéré comme le plus grand maître de la période coloniale. De son vivant, il a produit environ cinq cents peintures, pour la plupart dévotionnelles, avec une technique qui juxtapose des figures tirées de peintures de maîtres européens en utilisant des matériaux innovants trouvés dans le Nouveau Monde. Ses représentations de la Trinité comme une figure unique avec quatre yeux et trois visages, une innovation unique en Amérique latine, seraient plus tard condamnées comme hérétiques en partie parce qu'elles ressemblaient à des divinités hindoues.

Le Archanges sopo est une série de douze peintures, chacune représentant un archange (trois canoniques, plus huit apocryphes et un gardien) englouti dans un fond ténébreux (nuageux). Leurs personnages sont grandeur nature, vêtus de riches vêtements, pleins de drapés et de plis, et sont destinés à être « lus » à travers leurs diverses iconographies. Comme de nombreuses représentations d'anges, ces personnages ostensiblement masculins sont représentés avec des visages doux et féminins et des hanches rondes. L'origine de cette série est inconnue, tout comme l'artiste. Il est considéré comme l'une des énigmes persistantes de l'art colombien.

San José et el Niño par Gregorio Vasquez de Arce y Ceballos, huile sur bois, ca. 1670


Poterie Modifier

Il existe des preuves archéologiques que la céramique a été produite sur la côte caraïbe de la Colombie plus tôt que partout ailleurs dans les Amériques en dehors du bassin amazonien inférieur. Des céramiques trempées dans des fibres associées à des amas de coquillages sont apparues sur des sites tels que Puerto Hormiga, Monsú, Puerto Chacho et San Jacinto vers 3100 av. Les céramiques trempées aux fibres de Monsú ont été datées de 5940 ans au radiocarbone avant le présent. La poterie trempée à la fibre de Puerto Hormiga était "brute", formée d'un seul morceau d'argile. La poterie trempée aux fibres de San Jacinto est décrite comme "bien faite". Des céramiques enroulées trempées au sable ont également été trouvées à Puerto Hormiga. [2] [3] [4] La culture Piartal (750-1250 après JC) dans la région montagneuse à la frontière Colombie-Équateur a produit des méthodes uniques de production de poterie ainsi que des motifs inspirés de la peau d'animal ou de serpent. Les vaisseaux ont été créés pour être utilisés dans l'enterrement secondaire, ou la pratique consistant à laisser la chair se décomposer, puis à réenterrer les os. Ces récipients servaient également à contenir des reliques et des bijoux appartenant au défunt. [5]

Orfèvrerie Modifier

Les premiers exemples d'artisanat de l'or ont été attribués au peuple Tumaco de la côte du Pacifique et datent d'environ 325 avant notre ère. L'or jouera un rôle central dans l'attraction des Espagnols dans la région maintenant appelée Colombie au cours du XVIe siècle (voir : El Dorado).

L'un des objets les plus précieux de l'orfèvrerie précolombienne est le soi-disant Poporo Quimbaya, un petit objet de dévotion creux (23,5 × 11,4 cm) (utilisé pour mambéo ou rituel de mastication de la feuille de coca) en or dont l'harmonie esthétique, l'élégance simple et la symétrie mathématique sont frappantes et presque modernes. [ citation requise ]

Le Museo del Oro de Bogotá présente la plus importante collection d'orfèvrerie précolombienne des Amériques.

Pierre Modifier

Entre 200 av.Ils ont érigé des centres cérémoniels surélevés, des sarcophages et de grands monolithes de pierre représentant des formes anthropomorphes et zoomorphes en pierre. Certains d'entre eux ont atteint jusqu'à cinq mètres de haut.

Liés à la culture de San Agustín étaient les habitants de Tierradentro (« terre intérieure », ainsi appelée en raison de son inaccessibilité) qui a créé plus de cent cinquante tombes souterraines, ou hypogées dont les murs et les plafonds étaient richement décorés de formes géométriques rappelant l'intérieur des cabanes de palmiers. Aussi dans les tombes ont été trouvés des urnes funéraires, des bols et des cruches.

La pièce votive du radeau Muisca, Muisca (Pasca, Cundinamarca), or, 600 CE - 1600 CE

Tombeau monumental, Période moyenne de San Agustín (San Agustín, Huila), 100 AEC - 700 CE

La sculpture colombienne du XVIe au XVIIIe siècle était principalement consacrée aux représentations religieuses de l'art ecclésiastique, fortement influencées par les écoles espagnoles de sculpture sacrée. Au début de la république colombienne, les artistes nationaux se sont concentrés sur la production de portraits sculpturaux d'hommes politiques et de personnalités publiques, dans un pur courant néoclassique. Au cours du 20ème siècle, la sculpture colombienne a commencé à développer un travail audacieux et innovant dans le but d'atteindre une meilleure compréhension de la sensibilité nationale.

Monument à Bachué par Luís Horacio Betancur, Medellín

Vargas Swamp Lancers Memorial est la plus grande sculpture d'Amérique latine

Botero Plaza à Medellín avec exposition permanente de plusieurs sculptures de Fernando Botero

Oiseau (Par Fernando Botero) A été détruit par une attaque terroriste en 1997, Medellín où 17 personnes sont mortes. Les restes de la sculpture sont exposés sur la place San Antonio en mémoire des victimes

Ranas bailando. (Grenouilles dansantes) 1990. Par María Fernanda Cardoso

Période précolombienne Modifier

L'art colonial colombien comprend des chefs-d'œuvre de sculpture sur bois d'autel et des statues pour les processions religieuses.

Période coloniale Modifier

La peinture de la période coloniale reflétait le pouvoir et le prestige de l'Église catholique et de l'aristocratie espagnole en Colombie ou comme on l'appelait alors Le Nouveau Royaume de Grenade (vers 1548-1717) et plus tard La Vice-royauté de la Nouvelle-Grenade (1717-1819) .

Début de la période coloniale Modifier

La peinture colombienne au début de la période coloniale (1530s-1650) était principalement de sujet ecclésiastique et basée sur des styles maniéristes, renaissance et médiévaux, avec une influence mineure de la culture indigène.

Les explorateurs espagnols ont mis le pied sur le sol colombien pour la première fois en 1499 et ont établi Santa Marta, la première ville et le premier gouvernement sur le territoire de la Colombie, en 1599. Le roi Ferdinand d'Aragon et la reine Isabelle de Castille avaient unifié l'Espagne en 1492 et conquis le bastion maure restant. dans le sud de l'Espagne (Grenade) expulsa les Juifs avec le décret de l'Alhambra et continua l'Inquisition et envoya Christophe Colomb dans sa première expédition. C'est dans ce contexte de reconquista ou la christianisation de la péninsule ibérique que le projet colonial tout aussi fortement catholique dans les Amériques pourrait être compris. À cette époque, l'Espagne et le Portugal étaient les plus grandes puissances d'Europe et les défenseurs (et exécuteurs) les plus acharnés du catholicisme.

Les ateliers de Séville ont produit bon nombre des premières peintures envoyées en Colombie. Les artistes colombiens de cette période étaient pour la plupart considérés comme des commerçants ordinaires, comme les cordonniers ou les tonneliers. Comme dans une grande partie de l'histoire de l'art dans le monde, ces artisans généralement anonymes ont produit un travail qui servait les besoins idéologiques de leurs mécènes, en l'occurrence l'Église catholique.

Les églises et les maisons de familles riches dans les principales villes de Cundinamarca et Boyacá contiennent certains des plus anciens exemples d'art colonial en Colombie, principalement sous la forme de peintures murales.

Le premier peintre de l'époque coloniale à travailler en Colombie, ou comme on l'appelait alors Nueva Granada, était le natif de Séville Alonso de Narváez (mort en 1583). Il est crédité d'avoir peint une image de la Vierge Marie (Notre-Dame du Rosaire) qui devint plus tard un objet de dévotion, connue sous le nom de Notre-Dame du Rosaire de Chiquinquirá grâce, comme le croient les catholiques, à une réparation miraculeuse du tissu de la peinture. . [6]

Période baroque Modifier

Art baroque (à partir de Rome vers 1600), y compris le baroque latino-américain (1650-1750 es: Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos), tendait vers l'émotivité, un appel au populisme, et les grands gestes et les vêtements fluides. Dans la lignée de la Contre-Réforme une génération avant, les Jésuites, un ordre formé pour contrer le protestantisme, ont été les premiers à embrasser le baroque. Les principales influences sur les artistes colombiens de cette période étaient les peintres baroques espagnols comme Francisco de Zurbarán (1580-1664), ainsi que les influences flamandes, italiennes, mais aussi de Quito et de Cuzco, à travers des gravures et diverses images originales importées pour les églises et les monastères.

Un autre natif de Séville, Baltasar de Figueroa El Viejo (1629-1667), s'installe à Bogotá au début du XVIIe siècle et y implante un atelier d'artiste. Lui et ses nombreux descendants seront prolifiques et inventeront une sorte de peinture colombienne créolisée de la peinture baroque qui combine l'emprunt de formes et de sujets à des gravures européennes (principalement de nature religieuse : saints dans divers états de mortification ou d'extase, la Vierge Marie, ou Christ) avec des motifs et décorations indigènes. Mais ce sera l'un des apprentis de la famille Figueroa, Gregorio Vázquez de Arce y Ceballos, qui se démarquera parmi tous les peintres de l'époque coloniale.

Gregorio Vasquez de Arce et Ceballos (1638-1711) est considéré comme le plus grand maître de la période coloniale. De son vivant, il a produit environ cinq cents peintures, pour la plupart dévotionnelles, avec une technique qui juxtapose des figures tirées de peintures de maîtres européens en utilisant des matériaux innovants trouvés dans le Nouveau Monde. Ses représentations de la Trinité comme une figure unique avec quatre yeux et trois visages, une innovation unique en Amérique latine, seraient plus tard condamnées comme hérétiques en partie parce qu'elles ressemblaient à des divinités hindoues.

Le Archanges sopo est une série de douze peintures, chacune représentant un archange (trois canoniques, plus huit apocryphes et un gardien) englouti dans un fond ténébreux (nuageux). Leurs personnages sont grandeur nature, vêtus de riches vêtements, pleins de drapés et de plis, et sont destinés à être « lus » à travers leurs diverses iconographies. Comme de nombreuses représentations d'anges, ces personnages ostensiblement masculins sont représentés avec des visages doux et féminins et des hanches rondes. L'origine de cette série est inconnue, tout comme l'artiste. Il est considéré comme l'une des énigmes persistantes de l'art colombien.

San José et el Niño par Gregorio Vasquez de Arce y Ceballos, huile sur bois, ca. 1670


Poterie Modifier

Il existe des preuves archéologiques que la céramique a été produite sur la côte caraïbe de la Colombie plus tôt que partout ailleurs dans les Amériques en dehors du bassin amazonien inférieur. Des céramiques trempées dans des fibres associées à des amas de coquillages sont apparues sur des sites tels que Puerto Hormiga, Monsú, Puerto Chacho et San Jacinto vers 3100 av. Les céramiques trempées aux fibres de Monsú ont été datées de 5940 ans au radiocarbone avant le présent. La poterie trempée à la fibre de Puerto Hormiga était "brute", formée d'un seul morceau d'argile. La poterie trempée aux fibres de San Jacinto est décrite comme "bien faite". Des céramiques enroulées trempées au sable ont également été trouvées à Puerto Hormiga. [2] [3] [4] La culture Piartal (750-1250 après JC) dans la région montagneuse à la frontière Colombie-Équateur a produit des méthodes uniques de production de poterie ainsi que des motifs inspirés de la peau d'animal ou de serpent. Les vaisseaux ont été créés pour être utilisés dans l'enterrement secondaire, ou la pratique consistant à laisser la chair se décomposer, puis à réenterrer les os. Ces récipients servaient également à contenir des reliques et des bijoux appartenant au défunt. [5]

Orfèvrerie Modifier

Les premiers exemples d'artisanat de l'or ont été attribués au peuple Tumaco de la côte du Pacifique et datent d'environ 325 avant notre ère. L'or jouera un rôle central dans l'attraction des Espagnols dans la région maintenant appelée Colombie au cours du XVIe siècle (voir : El Dorado).

L'un des objets les plus précieux de l'orfèvrerie précolombienne est le soi-disant Poporo Quimbaya, un petit objet de dévotion creux (23,5 × 11,4 cm) (utilisé pour mambéo ou rituel de mastication de la feuille de coca) en or dont l'harmonie esthétique, l'élégance simple et la symétrie mathématique sont frappantes et presque modernes. [ citation requise ]

Le Museo del Oro de Bogotá présente la plus importante collection d'orfèvrerie précolombienne des Amériques.

Pierre Modifier

Entre 200 av. jusqu'à cinq mètres de haut.

Liés à la culture de San Agustín étaient les habitants de Tierradentro (« terre intérieure », ainsi appelée en raison de son inaccessibilité) qui a créé plus de cent cinquante tombes souterraines, ou hypogées dont les murs et les plafonds étaient richement décorés de formes géométriques rappelant l'intérieur des cabanes de palmiers. Aussi dans les tombes ont été trouvés des urnes funéraires, des bols et des cruches.

La pièce votive du radeau Muisca, Muisca (Pasca, Cundinamarca), or, 600 CE - 1600 CE

Tombeau monumental, Période moyenne de San Agustín (San Agustín, Huila), 100 AEC - 700 CE

La sculpture colombienne du XVIe au XVIIIe siècle était principalement consacrée aux représentations religieuses de l'art ecclésiastique, fortement influencées par les écoles espagnoles de sculpture sacrée. Au début de la république colombienne, les artistes nationaux se sont concentrés sur la production de portraits sculpturaux d'hommes politiques et de personnalités publiques, dans un pur courant néoclassique. Au cours du 20ème siècle, la sculpture colombienne a commencé à développer un travail audacieux et innovant dans le but d'atteindre une meilleure compréhension de la sensibilité nationale.

Monument à Bachué par Luís Horacio Betancur, Medellín

Vargas Swamp Lancers Memorial est la plus grande sculpture d'Amérique latine

Botero Plaza à Medellín avec exposition permanente de plusieurs sculptures de Fernando Botero

Oiseau (Par Fernando Botero) A été détruit par une attaque terroriste en 1997, Medellín où 17 personnes sont mortes. Les restes de la sculpture sont exposés sur la place San Antonio en mémoire des victimes

Ranas bailando. (Grenouilles dansantes) 1990. Par María Fernanda Cardoso

Période précolombienne Modifier

L'art colonial colombien comprend des chefs-d'œuvre de sculpture sur bois d'autel et des statues pour les processions religieuses.

Période coloniale Modifier

La peinture de la période coloniale reflétait le pouvoir et le prestige de l'Église catholique et de l'aristocratie espagnole en Colombie ou comme on l'appelait alors Le Nouveau Royaume de Grenade (vers 1548-1717) et plus tard La Vice-royauté de la Nouvelle-Grenade (1717-1819) .

Début de la période coloniale Modifier

La peinture colombienne au début de la période coloniale (1530s-1650) était principalement de sujet ecclésiastique et basée sur des styles maniéristes, renaissance et médiévaux, avec une influence mineure de la culture indigène.

Les explorateurs espagnols ont mis le pied sur le sol colombien pour la première fois en 1499 et ont établi Santa Marta, la première ville et le premier gouvernement sur le territoire de la Colombie, en 1599. Le roi Ferdinand d'Aragon et la reine Isabelle de Castille avaient unifié l'Espagne en 1492 et conquis le bastion maure restant. dans le sud de l'Espagne (Grenade) expulsa les Juifs avec le décret de l'Alhambra et continua l'Inquisition et envoya Christophe Colomb dans sa première expédition. C'est dans ce contexte de reconquista ou la christianisation de la péninsule ibérique que le projet colonial tout aussi fortement catholique dans les Amériques pourrait être compris. À cette époque, l'Espagne et le Portugal étaient les plus grandes puissances d'Europe et les défenseurs (et exécuteurs) les plus acharnés du catholicisme.

Les ateliers de Séville ont produit bon nombre des premières peintures envoyées en Colombie. Les artistes colombiens de cette période étaient pour la plupart considérés comme des commerçants ordinaires, comme les cordonniers ou les tonneliers. Comme dans une grande partie de l'histoire de l'art dans le monde, ces artisans généralement anonymes ont produit un travail qui servait les besoins idéologiques de leurs mécènes, en l'occurrence l'Église catholique.

Les églises et les maisons de familles riches dans les principales villes de Cundinamarca et Boyacá contiennent certains des plus anciens exemples d'art colonial en Colombie, principalement sous la forme de peintures murales.

Le premier peintre de l'époque coloniale à travailler en Colombie, ou comme on l'appelait alors Nueva Granada, était le natif de Séville Alonso de Narváez (mort en 1583). Il est crédité d'avoir peint une image de la Vierge Marie (Notre-Dame du Rosaire) qui devint plus tard un objet de dévotion, connue sous le nom de Notre-Dame du Rosaire de Chiquinquirá grâce, comme le croient les catholiques, à une réparation miraculeuse du tissu de la peinture. . [6]

Période baroque Modifier

Art baroque (à partir de Rome vers 1600), y compris le baroque latino-américain (1650-1750 es: Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos), tendait vers l'émotivité, un appel au populisme, et les grands gestes et les vêtements fluides. Dans la lignée de la Contre-Réforme une génération avant, les Jésuites, un ordre formé pour contrer le protestantisme, ont été les premiers à embrasser le baroque. Les principales influences sur les artistes colombiens de cette période étaient les peintres baroques espagnols comme Francisco de Zurbarán (1580-1664), ainsi que les influences flamandes, italiennes, mais aussi de Quito et de Cuzco, à travers des gravures et diverses images originales importées pour les églises et les monastères.

Un autre natif de Séville, Baltasar de Figueroa El Viejo (1629-1667), s'installe à Bogotá au début du XVIIe siècle et y implante un atelier d'artiste. Lui et ses nombreux descendants seront prolifiques et inventeront une sorte de peinture colombienne créolisée de la peinture baroque qui combine l'emprunt de formes et de sujets à des gravures européennes (principalement de nature religieuse : saints dans divers états de mortification ou d'extase, la Vierge Marie, ou Christ) avec des motifs et décorations indigènes. Mais ce sera l'un des apprentis de la famille Figueroa, Gregorio Vázquez de Arce y Ceballos, qui se démarquera parmi tous les peintres de l'époque coloniale.

Gregorio Vasquez de Arce et Ceballos (1638-1711) est considéré comme le plus grand maître de la période coloniale. De son vivant, il a produit environ cinq cents peintures, pour la plupart dévotionnelles, avec une technique qui juxtapose des figures tirées de peintures de maîtres européens en utilisant des matériaux innovants trouvés dans le Nouveau Monde. Ses représentations de la Trinité comme une figure unique avec quatre yeux et trois visages, une innovation unique en Amérique latine, seraient plus tard condamnées comme hérétiques en partie parce qu'elles ressemblaient à des divinités hindoues.

Le Archanges sopo est une série de douze peintures, chacune représentant un archange (trois canoniques, plus huit apocryphes et un gardien) englouti dans un fond ténébreux (nuageux). Leurs personnages sont grandeur nature, vêtus de riches vêtements, pleins de drapés et de plis, et sont destinés à être « lus » à travers leurs diverses iconographies. Comme de nombreuses représentations d'anges, ces personnages ostensiblement masculins sont représentés avec des visages doux et féminins et des hanches rondes. L'origine de cette série est inconnue, tout comme l'artiste. Il est considéré comme l'une des énigmes persistantes de l'art colombien.

San José et el Niño par Gregorio Vasquez de Arce y Ceballos, huile sur bois, ca. 1670


Poterie Modifier

Il existe des preuves archéologiques que la céramique a été produite sur la côte caraïbe de la Colombie plus tôt que partout ailleurs dans les Amériques en dehors du bassin amazonien inférieur. Des céramiques trempées dans des fibres associées à des amas de coquillages sont apparues sur des sites tels que Puerto Hormiga, Monsú, Puerto Chacho et San Jacinto vers 3100 av. Les céramiques trempées aux fibres de Monsú ont été datées de 5940 ans au radiocarbone avant le présent. La poterie trempée à la fibre de Puerto Hormiga était "brute", formée d'un seul morceau d'argile. La poterie trempée aux fibres de San Jacinto est décrite comme "bien faite". Des céramiques enroulées trempées au sable ont également été trouvées à Puerto Hormiga. [2] [3] [4] La culture Piartal (750-1250 après JC) dans la région montagneuse à la frontière Colombie-Équateur a produit des méthodes uniques de production de poterie ainsi que des motifs inspirés de la peau d'animal ou de serpent. Les vaisseaux ont été créés pour être utilisés dans l'enterrement secondaire, ou la pratique consistant à laisser la chair se décomposer, puis à réenterrer les os. Ces récipients servaient également à contenir des reliques et des bijoux appartenant au défunt. [5]

Orfèvrerie Modifier

Les premiers exemples d'artisanat de l'or ont été attribués au peuple Tumaco de la côte du Pacifique et datent d'environ 325 avant notre ère. L'or jouera un rôle central dans l'attraction des Espagnols dans la région maintenant appelée Colombie au cours du XVIe siècle (voir : El Dorado).

L'un des objets les plus précieux de l'orfèvrerie précolombienne est le soi-disant Poporo Quimbaya, un petit objet de dévotion creux (23,5 × 11,4 cm) (utilisé pour mambéo ou rituel de mastication de la feuille de coca) en or dont l'harmonie esthétique, l'élégance simple et la symétrie mathématique sont frappantes et presque modernes. [ citation requise ]

Le Museo del Oro de Bogotá présente la plus importante collection d'orfèvrerie précolombienne des Amériques.

Pierre Modifier

Entre 200 av. jusqu'à cinq mètres de haut.

Liés à la culture de San Agustín étaient les habitants de Tierradentro (« terre intérieure », ainsi appelée en raison de son inaccessibilité) qui a créé plus de cent cinquante tombes souterraines, ou hypogées dont les murs et les plafonds étaient richement décorés de formes géométriques rappelant l'intérieur des cabanes de palmiers. Aussi dans les tombes ont été trouvés des urnes funéraires, des bols et des cruches.

La pièce votive du radeau Muisca, Muisca (Pasca, Cundinamarca), or, 600 CE - 1600 CE

Tombeau monumental, Période moyenne de San Agustín (San Agustín, Huila), 100 AEC - 700 CE

La sculpture colombienne du XVIe au XVIIIe siècle était principalement consacrée aux représentations religieuses de l'art ecclésiastique, fortement influencées par les écoles espagnoles de sculpture sacrée. Au début de la république colombienne, les artistes nationaux se sont concentrés sur la production de portraits sculpturaux d'hommes politiques et de personnalités publiques, dans un pur courant néoclassique. Au cours du 20ème siècle, la sculpture colombienne a commencé à développer un travail audacieux et innovant dans le but d'atteindre une meilleure compréhension de la sensibilité nationale.

Monument à Bachué par Luís Horacio Betancur, Medellín

Vargas Swamp Lancers Memorial est la plus grande sculpture d'Amérique latine

Botero Plaza à Medellín avec exposition permanente de plusieurs sculptures de Fernando Botero

Oiseau (Par Fernando Botero) A été détruit par une attaque terroriste en 1997, Medellín où 17 personnes sont mortes. Les restes de la sculpture sont exposés sur la place San Antonio en mémoire des victimes

Ranas bailando. (Grenouilles dansantes) 1990. Par María Fernanda Cardoso

Période précolombienne Modifier

L'art colonial colombien comprend des chefs-d'œuvre de sculpture sur bois d'autel et des statues pour les processions religieuses.

Période coloniale Modifier

La peinture de la période coloniale reflétait le pouvoir et le prestige de l'Église catholique et de l'aristocratie espagnole en Colombie ou comme on l'appelait alors Le Nouveau Royaume de Grenade (vers 1548-1717) et plus tard La Vice-royauté de la Nouvelle-Grenade (1717-1819) .

Début de la période coloniale Modifier

La peinture colombienne au début de la période coloniale (1530s-1650) était principalement de sujet ecclésiastique et basée sur des styles maniéristes, renaissance et médiévaux, avec une influence mineure de la culture indigène.

Les explorateurs espagnols ont mis le pied sur le sol colombien pour la première fois en 1499 et ont établi Santa Marta, la première ville et le premier gouvernement sur le territoire de la Colombie, en 1599. Le roi Ferdinand d'Aragon et la reine Isabelle de Castille avaient unifié l'Espagne en 1492 et conquis le bastion maure restant. dans le sud de l'Espagne (Grenade) expulsa les Juifs avec le décret de l'Alhambra et continua l'Inquisition et envoya Christophe Colomb dans sa première expédition. C'est dans ce contexte de reconquista ou la christianisation de la péninsule ibérique que le projet colonial tout aussi fortement catholique dans les Amériques pourrait être compris. À cette époque, l'Espagne et le Portugal étaient les plus grandes puissances d'Europe et les défenseurs (et exécuteurs) les plus acharnés du catholicisme.

Les ateliers de Séville ont produit bon nombre des premières peintures envoyées en Colombie. Les artistes colombiens de cette période étaient pour la plupart considérés comme des commerçants ordinaires, comme les cordonniers ou les tonneliers. Comme dans une grande partie de l'histoire de l'art dans le monde, ces artisans généralement anonymes ont produit un travail qui servait les besoins idéologiques de leurs mécènes, en l'occurrence l'Église catholique.

Les églises et les maisons de familles riches dans les principales villes de Cundinamarca et Boyacá contiennent certains des plus anciens exemples d'art colonial en Colombie, principalement sous la forme de peintures murales.

Le premier peintre de l'époque coloniale à travailler en Colombie, ou comme on l'appelait alors Nueva Granada, était le natif de Séville Alonso de Narváez (mort en 1583). Il est crédité d'avoir peint une image de la Vierge Marie (Notre-Dame du Rosaire) qui devint plus tard un objet de dévotion, connue sous le nom de Notre-Dame du Rosaire de Chiquinquirá grâce, comme le croient les catholiques, à une réparation miraculeuse du tissu de la peinture. . [6]

Période baroque Modifier

Art baroque (à partir de Rome vers 1600), y compris le baroque latino-américain (1650-1750 es: Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos), tendait vers l'émotivité, un appel au populisme, et les grands gestes et les vêtements fluides. Dans la lignée de la Contre-Réforme une génération avant, les Jésuites, un ordre formé pour contrer le protestantisme, ont été les premiers à embrasser le baroque. Les principales influences sur les artistes colombiens de cette période étaient les peintres baroques espagnols comme Francisco de Zurbarán (1580-1664), ainsi que les influences flamandes, italiennes, mais aussi de Quito et de Cuzco, à travers des gravures et diverses images originales importées pour les églises et les monastères.

Un autre natif de Séville, Baltasar de Figueroa El Viejo (1629-1667), s'installe à Bogotá au début du XVIIe siècle et y implante un atelier d'artiste. Lui et ses nombreux descendants seront prolifiques et inventeront une sorte de peinture colombienne créolisée de la peinture baroque qui combine l'emprunt de formes et de sujets à des gravures européennes (principalement de nature religieuse : saints dans divers états de mortification ou d'extase, la Vierge Marie, ou Christ) avec des motifs et décorations indigènes. Mais ce sera l'un des apprentis de la famille Figueroa, Gregorio Vázquez de Arce y Ceballos, qui se démarquera parmi tous les peintres de l'époque coloniale.

Gregorio Vasquez de Arce et Ceballos (1638-1711) est considéré comme le plus grand maître de la période coloniale. De son vivant, il a produit environ cinq cents peintures, pour la plupart dévotionnelles, avec une technique qui juxtapose des figures tirées de peintures de maîtres européens en utilisant des matériaux innovants trouvés dans le Nouveau Monde. Ses représentations de la Trinité comme une figure unique avec quatre yeux et trois visages, une innovation unique en Amérique latine, seraient plus tard condamnées comme hérétiques en partie parce qu'elles ressemblaient à des divinités hindoues.

Le Archanges sopo est une série de douze peintures, chacune représentant un archange (trois canoniques, plus huit apocryphes et un gardien) englouti dans un fond ténébreux (nuageux). Leurs personnages sont grandeur nature, vêtus de riches vêtements, pleins de drapés et de plis, et sont destinés à être « lus » à travers leurs diverses iconographies. Comme de nombreuses représentations d'anges, ces personnages ostensiblement masculins sont représentés avec des visages doux et féminins et des hanches rondes. L'origine de cette série est inconnue, tout comme l'artiste. Il est considéré comme l'une des énigmes persistantes de l'art colombien.

San José et el Niño par Gregorio Vasquez de Arce y Ceballos, huile sur bois, ca. 1670


Poterie Modifier

Il existe des preuves archéologiques que la céramique a été produite sur la côte caraïbe de la Colombie plus tôt que partout ailleurs dans les Amériques en dehors du bassin amazonien inférieur. Des céramiques trempées dans des fibres associées à des amas de coquillages sont apparues sur des sites tels que Puerto Hormiga, Monsú, Puerto Chacho et San Jacinto vers 3100 av. Les céramiques trempées aux fibres de Monsú ont été datées de 5940 ans au radiocarbone avant le présent. La poterie trempée à la fibre de Puerto Hormiga était "brute", formée d'un seul morceau d'argile. La poterie trempée aux fibres de San Jacinto est décrite comme "bien faite". Des céramiques enroulées trempées au sable ont également été trouvées à Puerto Hormiga. [2] [3] [4] La culture Piartal (750-1250 après JC) dans la région montagneuse à la frontière Colombie-Équateur a produit des méthodes uniques de production de poterie ainsi que des motifs inspirés de la peau d'animal ou de serpent. Les vaisseaux ont été créés pour être utilisés dans l'enterrement secondaire, ou la pratique consistant à laisser la chair se décomposer, puis à réenterrer les os. Ces récipients servaient également à contenir des reliques et des bijoux appartenant au défunt. [5]

Orfèvrerie Modifier

Les premiers exemples d'artisanat de l'or ont été attribués au peuple Tumaco de la côte du Pacifique et datent d'environ 325 avant notre ère. L'or jouera un rôle central dans l'attraction des Espagnols dans la région maintenant appelée Colombie au cours du XVIe siècle (voir : El Dorado).

L'un des objets les plus précieux de l'orfèvrerie précolombienne est le soi-disant Poporo Quimbaya, un petit objet de dévotion creux (23,5 × 11,4 cm) (utilisé pour mambéo ou rituel de mastication de la feuille de coca) en or dont l'harmonie esthétique, l'élégance simple et la symétrie mathématique sont frappantes et presque modernes. [ citation requise ]

Le Museo del Oro de Bogotá présente la plus importante collection d'orfèvrerie précolombienne des Amériques.

Pierre Modifier

Entre 200 av. jusqu'à cinq mètres de haut.

Liés à la culture de San Agustín étaient les habitants de Tierradentro (« terre intérieure », ainsi appelée en raison de son inaccessibilité) qui a créé plus de cent cinquante tombes souterraines, ou hypogées dont les murs et les plafonds étaient richement décorés de formes géométriques rappelant l'intérieur des cabanes de palmiers. Aussi dans les tombes ont été trouvés des urnes funéraires, des bols et des cruches.

La pièce votive du radeau Muisca, Muisca (Pasca, Cundinamarca), or, 600 CE - 1600 CE

Tombeau monumental, Période moyenne de San Agustín (San Agustín, Huila), 100 AEC - 700 CE

La sculpture colombienne du XVIe au XVIIIe siècle était principalement consacrée aux représentations religieuses de l'art ecclésiastique, fortement influencées par les écoles espagnoles de sculpture sacrée. Au début de la république colombienne, les artistes nationaux se sont concentrés sur la production de portraits sculpturaux d'hommes politiques et de personnalités publiques, dans un pur courant néoclassique. Au cours du 20ème siècle, la sculpture colombienne a commencé à développer un travail audacieux et innovant dans le but d'atteindre une meilleure compréhension de la sensibilité nationale.

Monument à Bachué par Luís Horacio Betancur, Medellín

Vargas Swamp Lancers Memorial est la plus grande sculpture d'Amérique latine

Botero Plaza à Medellín avec exposition permanente de plusieurs sculptures de Fernando Botero

Oiseau (Par Fernando Botero) A été détruit par une attaque terroriste en 1997, Medellín où 17 personnes sont mortes. Les restes de la sculpture sont exposés sur la place San Antonio en mémoire des victimes

Ranas bailando. (Grenouilles dansantes) 1990. Par María Fernanda Cardoso

Période précolombienne Modifier

L'art colonial colombien comprend des chefs-d'œuvre de sculpture sur bois d'autel et des statues pour les processions religieuses.

Période coloniale Modifier

La peinture de la période coloniale reflétait le pouvoir et le prestige de l'Église catholique et de l'aristocratie espagnole en Colombie ou comme on l'appelait alors Le Nouveau Royaume de Grenade (vers 1548-1717) et plus tard La Vice-royauté de la Nouvelle-Grenade (1717-1819) .

Début de la période coloniale Modifier

La peinture colombienne au début de la période coloniale (1530s-1650) était principalement de sujet ecclésiastique et basée sur des styles maniéristes, renaissance et médiévaux, avec une influence mineure de la culture indigène.

Les explorateurs espagnols ont mis le pied sur le sol colombien pour la première fois en 1499 et ont établi Santa Marta, la première ville et le premier gouvernement sur le territoire de la Colombie, en 1599. Le roi Ferdinand d'Aragon et la reine Isabelle de Castille avaient unifié l'Espagne en 1492 et conquis le bastion maure restant. dans le sud de l'Espagne (Grenade) expulsa les Juifs avec le décret de l'Alhambra et continua l'Inquisition et envoya Christophe Colomb dans sa première expédition. C'est dans ce contexte de reconquista ou la christianisation de la péninsule ibérique que le projet colonial tout aussi fortement catholique dans les Amériques pourrait être compris. À cette époque, l'Espagne et le Portugal étaient les plus grandes puissances d'Europe et les défenseurs (et exécuteurs) les plus acharnés du catholicisme.

Les ateliers de Séville ont produit bon nombre des premières peintures envoyées en Colombie. Les artistes colombiens de cette période étaient pour la plupart considérés comme des commerçants ordinaires, comme les cordonniers ou les tonneliers. Comme dans une grande partie de l'histoire de l'art dans le monde, ces artisans généralement anonymes ont produit un travail qui servait les besoins idéologiques de leurs mécènes, en l'occurrence l'Église catholique.

Les églises et les maisons de familles riches dans les principales villes de Cundinamarca et Boyacá contiennent certains des plus anciens exemples d'art colonial en Colombie, principalement sous la forme de peintures murales.

Le premier peintre de l'époque coloniale à travailler en Colombie, ou comme on l'appelait alors Nueva Granada, était le natif de Séville Alonso de Narváez (mort en 1583). Il est crédité d'avoir peint une image de la Vierge Marie (Notre-Dame du Rosaire) qui devint plus tard un objet de dévotion, connue sous le nom de Notre-Dame du Rosaire de Chiquinquirá grâce, comme le croient les catholiques, à une réparation miraculeuse du tissu de la peinture. . [6]

Période baroque Modifier

Art baroque (à partir de Rome vers 1600), y compris le baroque latino-américain (1650-1750 es: Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos), tendait vers l'émotivité, un appel au populisme, et les grands gestes et les vêtements fluides. Dans la lignée de la Contre-Réforme une génération avant, les Jésuites, un ordre formé pour contrer le protestantisme, ont été les premiers à embrasser le baroque. Les principales influences sur les artistes colombiens de cette période étaient les peintres baroques espagnols comme Francisco de Zurbarán (1580-1664), ainsi que les influences flamandes, italiennes, mais aussi de Quito et de Cuzco, à travers des gravures et diverses images originales importées pour les églises et les monastères.

Un autre natif de Séville, Baltasar de Figueroa El Viejo (1629-1667), s'installe à Bogotá au début du XVIIe siècle et y implante un atelier d'artiste. Lui et ses nombreux descendants seront prolifiques et inventeront une sorte de peinture colombienne créolisée de la peinture baroque qui combine l'emprunt de formes et de sujets à des gravures européennes (principalement de nature religieuse : saints dans divers états de mortification ou d'extase, la Vierge Marie, ou Christ) avec des motifs et décorations indigènes. Mais ce sera l'un des apprentis de la famille Figueroa, Gregorio Vázquez de Arce y Ceballos, qui se démarquera parmi tous les peintres de l'époque coloniale.

Gregorio Vasquez de Arce et Ceballos (1638-1711) est considéré comme le plus grand maître de la période coloniale. De son vivant, il a produit environ cinq cents peintures, pour la plupart dévotionnelles, avec une technique qui juxtapose des figures tirées de peintures de maîtres européens en utilisant des matériaux innovants trouvés dans le Nouveau Monde. Ses représentations de la Trinité comme une figure unique avec quatre yeux et trois visages, une innovation unique en Amérique latine, seraient plus tard condamnées comme hérétiques en partie parce qu'elles ressemblaient à des divinités hindoues.

Le Archanges sopo est une série de douze peintures, chacune représentant un archange (trois canoniques, plus huit apocryphes et un gardien) englouti dans un fond ténébreux (nuageux). Leurs personnages sont grandeur nature, vêtus de riches vêtements, pleins de drapés et de plis, et sont destinés à être « lus » à travers leurs diverses iconographies. Comme de nombreuses représentations d'anges, ces personnages ostensiblement masculins sont représentés avec des visages doux et féminins et des hanches rondes. L'origine de cette série est inconnue, tout comme l'artiste. Il est considéré comme l'une des énigmes persistantes de l'art colombien.

San José et el Niño par Gregorio Vasquez de Arce y Ceballos, huile sur bois, ca. 1670


Poterie Modifier

Il existe des preuves archéologiques que la céramique a été produite sur la côte caraïbe de la Colombie plus tôt que partout ailleurs dans les Amériques en dehors du bassin amazonien inférieur. Des céramiques trempées dans des fibres associées à des amas de coquillages sont apparues sur des sites tels que Puerto Hormiga, Monsú, Puerto Chacho et San Jacinto vers 3100 av. Les céramiques trempées aux fibres de Monsú ont été datées de 5940 ans au radiocarbone avant le présent. La poterie trempée à la fibre de Puerto Hormiga était "brute", formée d'un seul morceau d'argile. La poterie trempée aux fibres de San Jacinto est décrite comme "bien faite". Des céramiques enroulées trempées au sable ont également été trouvées à Puerto Hormiga. [2] [3] [4] La culture Piartal (750-1250 après JC) dans la région montagneuse à la frontière Colombie-Équateur a produit des méthodes uniques de production de poterie ainsi que des motifs inspirés de la peau d'animal ou de serpent. Les vaisseaux ont été créés pour être utilisés dans l'enterrement secondaire, ou la pratique consistant à laisser la chair se décomposer, puis à réenterrer les os. Ces récipients servaient également à contenir des reliques et des bijoux appartenant au défunt. [5]

Orfèvrerie Modifier

Les premiers exemples d'artisanat de l'or ont été attribués au peuple Tumaco de la côte du Pacifique et datent d'environ 325 avant notre ère. L'or jouera un rôle central dans l'attraction des Espagnols dans la région maintenant appelée Colombie au cours du XVIe siècle (voir : El Dorado).

L'un des objets les plus précieux de l'orfèvrerie précolombienne est le soi-disant Poporo Quimbaya, un petit objet de dévotion creux (23,5 × 11,4 cm) (utilisé pour mambéo ou rituel de mastication de la feuille de coca) en or dont l'harmonie esthétique, l'élégance simple et la symétrie mathématique sont frappantes et presque modernes. [ citation requise ]

Le Museo del Oro de Bogotá présente la plus importante collection d'orfèvrerie précolombienne des Amériques.

Pierre Modifier

Entre 200 av. jusqu'à cinq mètres de haut.

Liés à la culture de San Agustín étaient les habitants de Tierradentro (« terre intérieure », ainsi appelée en raison de son inaccessibilité) qui a créé plus de cent cinquante tombes souterraines, ou hypogées dont les murs et les plafonds étaient richement décorés de formes géométriques rappelant l'intérieur des cabanes de palmiers. Aussi dans les tombes ont été trouvés des urnes funéraires, des bols et des cruches.

La pièce votive du radeau Muisca, Muisca (Pasca, Cundinamarca), or, 600 CE - 1600 CE

Tombeau monumental, Période moyenne de San Agustín (San Agustín, Huila), 100 AEC - 700 CE

La sculpture colombienne du XVIe au XVIIIe siècle était principalement consacrée aux représentations religieuses de l'art ecclésiastique, fortement influencées par les écoles espagnoles de sculpture sacrée. Au début de la république colombienne, les artistes nationaux se sont concentrés sur la production de portraits sculpturaux d'hommes politiques et de personnalités publiques, dans un pur courant néoclassique. Au cours du 20ème siècle, la sculpture colombienne a commencé à développer un travail audacieux et innovant dans le but d'atteindre une meilleure compréhension de la sensibilité nationale.

Monument à Bachué par Luís Horacio Betancur, Medellín

Vargas Swamp Lancers Memorial est la plus grande sculpture d'Amérique latine

Botero Plaza à Medellín avec exposition permanente de plusieurs sculptures de Fernando Botero

Oiseau (Par Fernando Botero) A été détruit par une attaque terroriste en 1997, Medellín où 17 personnes sont mortes. Les restes de la sculpture sont exposés sur la place San Antonio en mémoire des victimes

Ranas bailando. (Grenouilles dansantes) 1990. Par María Fernanda Cardoso

Période précolombienne Modifier

L'art colonial colombien comprend des chefs-d'œuvre de sculpture sur bois d'autel et des statues pour les processions religieuses.

Période coloniale Modifier

La peinture de la période coloniale reflétait le pouvoir et le prestige de l'Église catholique et de l'aristocratie espagnole en Colombie ou comme on l'appelait alors Le Nouveau Royaume de Grenade (vers 1548-1717) et plus tard La Vice-royauté de la Nouvelle-Grenade (1717-1819) .

Début de la période coloniale Modifier

La peinture colombienne au début de la période coloniale (1530s-1650) était principalement de sujet ecclésiastique et basée sur des styles maniéristes, renaissance et médiévaux, avec une influence mineure de la culture indigène.

Les explorateurs espagnols ont mis le pied sur le sol colombien pour la première fois en 1499 et ont établi Santa Marta, la première ville et le premier gouvernement sur le territoire de la Colombie, en 1599. Le roi Ferdinand d'Aragon et la reine Isabelle de Castille avaient unifié l'Espagne en 1492 et conquis le bastion maure restant. dans le sud de l'Espagne (Grenade) expulsa les Juifs avec le décret de l'Alhambra et continua l'Inquisition et envoya Christophe Colomb dans sa première expédition. C'est dans ce contexte de reconquista ou la christianisation de la péninsule ibérique que le projet colonial tout aussi fortement catholique dans les Amériques pourrait être compris. À cette époque, l'Espagne et le Portugal étaient les plus grandes puissances d'Europe et les défenseurs (et exécuteurs) les plus acharnés du catholicisme.

Les ateliers de Séville ont produit bon nombre des premières peintures envoyées en Colombie. Les artistes colombiens de cette période étaient pour la plupart considérés comme des commerçants ordinaires, comme les cordonniers ou les tonneliers. Comme dans une grande partie de l'histoire de l'art dans le monde, ces artisans généralement anonymes ont produit un travail qui servait les besoins idéologiques de leurs mécènes, en l'occurrence l'Église catholique.

Les églises et les maisons de familles riches dans les principales villes de Cundinamarca et Boyacá contiennent certains des plus anciens exemples d'art colonial en Colombie, principalement sous la forme de peintures murales.

Le premier peintre de l'époque coloniale à travailler en Colombie, ou comme on l'appelait alors Nueva Granada, était le natif de Séville Alonso de Narváez (mort en 1583). Il est crédité d'avoir peint une image de la Vierge Marie (Notre-Dame du Rosaire) qui devint plus tard un objet de dévotion, connue sous le nom de Notre-Dame du Rosaire de Chiquinquirá grâce, comme le croient les catholiques, à une réparation miraculeuse du tissu de la peinture. . [6]

Période baroque Modifier

Art baroque (à partir de Rome vers 1600), y compris le baroque latino-américain (1650-1750 es: Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos), tendait vers l'émotivité, un appel au populisme, et les grands gestes et les vêtements fluides. Dans la lignée de la Contre-Réforme une génération avant, les Jésuites, un ordre formé pour contrer le protestantisme, ont été les premiers à embrasser le baroque. Les principales influences sur les artistes colombiens de cette période étaient les peintres baroques espagnols comme Francisco de Zurbarán (1580-1664), ainsi que les influences flamandes, italiennes, mais aussi de Quito et de Cuzco, à travers des gravures et diverses images originales importées pour les églises et les monastères.

Un autre natif de Séville, Baltasar de Figueroa El Viejo (1629-1667), s'installe à Bogotá au début du XVIIe siècle et y implante un atelier d'artiste. Lui et ses nombreux descendants seront prolifiques et inventeront une sorte de peinture colombienne créolisée de la peinture baroque qui combine l'emprunt de formes et de sujets à des gravures européennes (principalement de nature religieuse : saints dans divers états de mortification ou d'extase, la Vierge Marie, ou Christ) avec des motifs et décorations indigènes. Mais ce sera l'un des apprentis de la famille Figueroa, Gregorio Vázquez de Arce y Ceballos, qui se démarquera parmi tous les peintres de l'époque coloniale.

Gregorio Vasquez de Arce et Ceballos (1638-1711) est considéré comme le plus grand maître de la période coloniale. De son vivant, il a produit environ cinq cents peintures, pour la plupart dévotionnelles, avec une technique qui juxtapose des figures tirées de peintures de maîtres européens en utilisant des matériaux innovants trouvés dans le Nouveau Monde. Ses représentations de la Trinité comme une figure unique avec quatre yeux et trois visages, une innovation unique en Amérique latine, seraient plus tard condamnées comme hérétiques en partie parce qu'elles ressemblaient à des divinités hindoues.

Le Archanges sopo est une série de douze peintures, chacune représentant un archange (trois canoniques, plus huit apocryphes et un gardien) englouti dans un fond ténébreux (nuageux). Leurs personnages sont grandeur nature, vêtus de riches vêtements, pleins de drapés et de plis, et sont destinés à être « lus » à travers leurs diverses iconographies. Comme de nombreuses représentations d'anges, ces personnages ostensiblement masculins sont représentés avec des visages doux et féminins et des hanches rondes. L'origine de cette série est inconnue, tout comme l'artiste. Il est considéré comme l'une des énigmes persistantes de l'art colombien.

San José et el Niño par Gregorio Vasquez de Arce y Ceballos, huile sur bois, ca. 1670


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